Основните теми в творчеството на А. Островски. Характеристики на стила на Островски, който той отвори на света

Тази черта на Островски беше отбелязана от критиците още когато се появиха първите му пиеси. „... Способността да се изобразява реалността такава, каквато е - „математическа вярност към реалността“, липсата на каквото и да е преувеличение ... Всичко това не е отличителни чертипоезия на Гогол; всичко това са отличителните черти на новата комедия“, пише Б. Алмазов в статията „Сън по повод една комедия“. Вече в наше време литературният критик А. Скафтимов в работата си „Белински и драматургията на А. Н. Островски“ отбелязва, че „най-ярката разлика между пиесите на Гогол и Островски е, че Гогол няма жертва на порока, а Островски винаги има страдаща жертва порок... Изобразявайки порока, Островски защитава нещо от него, защитава някого... Така се променя цялото съдържание на пиесата. Пиесата е обагрена от изстрадана лирика, навлиза в разгръщане на свежи, нравствено чисти или поетични чувства; Усилията на автора са насочени към рязко извеждане на преден план на вътрешната законност, истина и поезия на неподправената човечност, потисната и прогонена в атмосфера на господстващ личен интерес и измама. Подходът на Островски към изобразяването на реалността, който е различен от този на Гогол, се обяснява, разбира се, с оригиналността на неговия талант, „естествените“ свойства на художника, но също (това не бива да се пренебрегва) с промененото време: повишено внимание към индивида, към неговите права, признаване на неговата стойност.

Вл. И. Немирович-Данченко в книгата си "Раждането на театъра" проницателно посочва какво прави пиесите на Островски особено сценични: "атмосферата на добротата", "ясното, твърдо съчувствие е на страната на обидените, към които театралната зала винаги е изключително чувствителен."

„О, не плачи; не си заслужават сълзите ти. Ти си бял гълъб в черно стадо топове, затова те кълват. Вашата белота, вашата чистота е обидна за тях “, казва Нароков Саша Негина в „Таланти и почитатели“.

Назад напред

внимание! Визуализацията на слайда е само за информационни цели и може да не представя пълния обем на презентацията. Ако си заинтересован тази работамоля, изтеглете пълната версия.

— Цял живот съм работил.

Слайд 1 и 2.

Цели на урока:запознайте учениците с нов автор; определят оригиналността на творчеството му, изразяваща се в отразяване на проблемите на епохата; показват новаторство и традиция в работата на A.N. Островски, оригиналността на неговия стил.

Слайд 3.

По време на часовете

аз. Лекция на учителя с презентация.

слайд 4.

1. Страници от историята на руския театър преди А.Н. Островски (информация).Оригиналността на темите на драматичните произведения; характеристики на героите (имения); принципи на характеризиране. Предшественици на А. Островски: D.I. Фонвизин, А.С. Грибоедов, А.С. Пушкин, Н.В. Гогол.

Слайд 5.

2. Характеристики на пиесите на Островски.Нов герой, когото руската литература не познаваше преди него. „Той откри пред света човек от нова формация: староверски търговец и капиталистичен търговец, търговец в арменско палто и търговец в тройка, пътуващ в чужбина и правещ собствен бизнес. Островски отвори широко вратата към свят, досега затворен зад високи огради от любопитни очи” – пише В.Г. Маранцман. Новият герой на Островски определя оригиналността на проблемите и темите на пиесите, характеристиките на героите на героите.

Слайдове 6-13

3. Страници от биографията на драматурга:семейство, Zamoskvorechie, проучване, обслужване. Животът в Zamoskvorechye, работата в съвестни и търговски съдилища, където основните „клиенти“ са търговци, позволиха на драматурга да наблюдава живота на търговската класа. Всичко това е отразено в пиесите на Островски, чиито герои изглеждат взети от живота. Невероятната работоспособност на писателя допринесе за раждането на 48 произведения, в които действат 547 герои.

Слайдове 14-19

4. Начало на книжовна дейност.

Творческият път на А. Островски.

Първата творба - пиесата "Несъстоятелен длъжник" - се появява през 1847 г. във вестник "Московски градски лист". През 1850 г. същата работа, модифицирана от автора, е публикувана в списание "Москвитянин". След това е под арест 10 години, тъй като в него, според Добролюбов, "... човешкото достойнство, свободата на личността, вярата в любовта и щастието и светинята на честния труд" са смазани на прах и нагло потъпкани от тираните .

„Това е, което правя сега, съчетавайки високото с комичното“, пише Островски през 1853 г., определяйки появата на нов герой, герой с „топло сърце“, честен, прям. Една след друга излизат пиесите „Бедността не е порок”, „Не сядайте в собствената си шейна”, „Доходно място”, „Гората”, „Горещо сърце”, „Таланти и почитатели”, „Без вина” и други се появяват. "И такъв дух е станал в мен: не се страхувам от нищо! Изглежда, че ме нарязва на парчета, все пак ще го сложа сам", казва героинята на пиесата "Зеницата". "Не се страхувам от нищо" - това е основното в новия герой на Островски.

Слайд 20

Гръмотевичната буря (1860) е пиеса за пробуждаща се, протестираща личност, която вече не иска да живее според законите, които потискат личността.

слайд 21

"Гора" (1870) - пиесата повдига вечните въпроси на човешките взаимоотношения, опитва се да разреши проблема за моралното и неморалното.

слайд 22

„Снежната девойка“ (1873) е поглед към древния, патриархален, приказен свят, в който доминират и материалните отношения (Бобил и Бобилиха).

слайд 23

"Зестра" (1879) - погледът на драматурга 20 години по-късно върху проблемите, повдигнати в драмата "Гръмотевична буря".

II. Студентски изпълнения. Индивидуални задачи към урока.

Слайдове 24-38

1. Характеристики на стила на Островски (Индивидуални задачи)

Говорещи фамилни имена;
Необичайно представяне на героите в плаката, определящо конфликта, който ще се развие в пиесата;
Конкретни авторски бележки;
Ролята на представения от автора декор за определяне на пространството на драмата и времето на действие
Оригиналността на имената (често от руски поговорки и поговорки);
Фолклорни моменти;
Паралелно разглеждане на сравнявани герои;
Значението на първата реплика на героя;
„Подготвен външен вид“, главните герои не се появяват веднага, други първо говорят за тях;
Особеността на речевите характеристики на героите.

Последни въпроси

Слайд 39

Можем ли да говорим за модерността на пиесите на Островски? Докажете мнението си.
Защо съвременните театри постоянно се обръщат към пиесите на драматурга?
Защо е толкова трудно да се „модернизират“ пиесите на А. Н. Островски?

III. Обобщение на урока.

Слайдове 40-42

А.Н. Островски отвори страница, непозната за зрителя, извеждайки на сцената нов герой - търговец. Преди него руската театрална история се състоеше само от няколко имена. Драматургът има огромен принос за развитието на руския театър. Творчеството му, продължавайки традициите на Фонвизин, Грибоедов, Пушкин, Гогол, е новаторско в изобразяването на героите, в езика на героите и в повдигнатите социално-нравствени проблеми.

Домашна работа:

Драматична буря. Историята на създаването, системата от изображения, методите за разкриване на характерите на героите. Естеството на конфликта. Значението на името.

Група 1.История на пиесата. Съобщения на учениците (домашна работа с допълнителна литература).

Група 2Смисълът на заглавието на пиесата е "Гръмотевична буря".

Група 3.Системата на героите в пиесата

Група 4. Характеристики на разкриването на героите на героите.

Той отвори света на човек от нова формация: староверски търговец и капиталистичен търговец, търговец в арменско палто и търговец в „тройка“, пътуващ в чужбина и правещ собствен бизнес. Островски отвори широко вратата към света, заключен досега зад високи огради от странни любопитни очи.
В. Г. Маранцман

Драматургията е жанр, който включва активното взаимодействие на писателя и читателя при разглеждането на социалните проблеми, повдигнати от автора. А. Н. Островски смята, че драматургията има силно въздействие върху обществото, текстът е част от представлението, но пиесата не живее без постановка. Стотици и хиляди ще го видят и много по-малко ще го прочетат. Националността е основната характеристика на драмата от 1860-те години: герои от народа, описание на живота на долните слоеве на населението, търсене на положителен национален характер. Драмата винаги е имала способността да отговаря на актуални въпроси. Творчеството на Островски беше в центъра на драматургията на това време, Ю. М. Лотман нарича пиесите си върхът на руската драма. И. А. Гончаров нарече Островски създателят на „Руския национален театър“, а Н. А. Добролюбов нарече своите драми „житейски пиеси“, тъй като в неговите пиеси личният живот на хората се оформя в картина модерно общество. В първата голяма комедия "Наши хора - да се разберем" (1850) именно чрез вътрешносемейни конфликти се показват обществените противоречия. Именно с тази пиеса започна театърът на Островски, в нея за първи път се появиха нови принципи на сценичното действие, поведението на актьора и театралното забавление.

Творчеството на Островски беше ново за руската драма. Творбите му се отличават със сложността и сложността на конфликтите, стихията му е социално-психологическа драма, комедия на нравите. Характеристики на неговия стил са говорещи фамилни имена, специфични авторски бележки, своеобразни заглавия на пиеси, сред които често се използват поговорки, комедии по фолклорни мотиви. Конфликтът на пиесите на Островски се основава главно на несъвместимостта на героя с околната среда. Неговите драми могат да се нарекат психологически, те съдържат не само външен конфликт, но и вътрешна драма на морален принцип.

Всичко в пиесите исторически точно пресъздава живота на обществото, от което драматургът черпи своите сюжети. Новият герой на драмите на Островски - прост човек - определя оригиналността на съдържанието, а Островски създава "народна драма". Той изпълни огромна задача - направи от "малкия човек" трагичен герой. Островски видя своя дълг като драматург в това да направи анализа на случващото се основно съдържание на драмата. „Драматичният писател ... не съчинява това, което е било - той дава живот, история, легенда; основната му задача е да покаже въз основа на какви психологически данни се е случило дадено събитие и защо е било така, а не иначе ”- това според автора е същността на драмата. Островски третира драматургията като масово изкуство, което възпитава хората, и определя целта на театъра като "училище за обществен морал". Още първите му изпълнения шокират със своята правдивост и простота, честни герои с "горещо сърце". Драматургът създава, "съчетавайки високото с комичното", създава четиридесет и осем творби и измисля повече от петстотин герои.

Пиесите на Островски са реалистични. В търговската среда, която той наблюдава ден след ден и вярва, че миналото и настоящето на обществото са обединени в нея, Островски разкрива онези социални конфликти, които отразяват живота на Русия. И ако в „Снежната девойка” той пресъздава патриархалния свят, през който съвременните проблеми само се отгатват, то неговата „Гръмотевична буря” е открит протест на индивида, желанието на човек за щастие и независимост. Това се възприема от драматурзите като утвърждаване на творческия принцип на свободолюбието, което може да стане основата на нова драма. Островски никога не е използвал определението за „трагедия“, определяйки пиесите си като „комедии“ и „драми“, понякога предоставяйки обяснения в духа на „картини от московския живот“, „сцени от селския живот“, „сцени от затънтения живот“, посочвайки, че става дума за живота на цяла социална среда. Добролюбов каза, че Островски създава нов тип драматично действие: без дидактика, анализира авторът исторически произходсъвременните явления в обществото.

Историческият подход към семейството и социалните отношения е патосът на творчеството на Островски. Сред неговите герои са хора различни възрастиразделени на два лагера - млади и стари. Например, както пише Ю. М. Лотман, в „Гръмотевичната буря“ Кабаниха е „пазител на древността“, а Катерина „носи креативностразвитие”, поради което тя иска да лети като птица.

Спорът между древността и новото, според литературоведа, е важен аспект на драматичния конфликт в пиесите на Островски. Традиционните форми на всекидневието се разглеждат като вечно обновяващи се и само в това драматургът вижда тяхната жизнеспособност... Старото навлиза в новото, в съвременния живот, в който може да играе ролята или на „оковващ“ елемент, потискащ неговия развитие, или стабилизиране, осигуряване на силата на възникващата новост, в зависимост от съдържанието на старото, което съхранява живота на хората. Авторът винаги симпатизира на младите герои, поетизира желанието им за свобода, безкористност. Заглавието на статията на А. Н. Добролюбов „Лъч светлина в тъмно царство“ напълно отразява ролята на тези герои в обществото. Те са психологически сходни един с друг, авторът често използва вече развити герои. Темата за положението на жената в света на изчисленията се повтаря и в "Бедната булка", "Горещо сърце", "Зестра".

По-късно в драмите се засилва сатиричният елемент. Островски се позовава на принципа на Гогол за "чистата комедия", извеждайки на преден план характеристиките на социалната среда. Героят на неговите комедии е ренегат и лицемер. Островски също се обръща към историко-героичната тема, проследявайки формирането на социални явления, израстване от „малък човек“ до гражданин.

Несъмнено пиесите на Островски винаги ще имат съвременно звучене. Театрите постоянно се обръщат към творчеството му, така че то стои извън времевата рамка.

Драматургия на А. П. Чехов.

Наричат Чехов "Шекспир на 20 век". Наистина, неговата драма, подобно на тази на Шекспир, изигра огромна повратна точка в историята на световната драма. Роден в Русия в началото на новия век, той се превърна в такава новаторска художествена система, която определи бъдещото развитие на драматургията и театъра в целия свят.
Разбира се, новаторството на драматургията на Чехов е подготвено от търсенията и откритията на неговите велики предшественици, драматичните произведения на Пушкин и Гогол, Островски и Тургенев, на чиято добра, силна традиция той се опира. Но пиесите на Чехов направиха истинска революция в театралното мислене на своето време. Навлизането му в сферата на драмата бележи нова отправна точка в историята на руската художествена култура.
В края на 19 век руската драматургия е в почти плачевно състояние. Под перото на занаятчийски писатели някогашните възвишени традиции на драмата се изродиха в рутинни клишета, превърнаха се в мъртви канони. Сцената е твърде забележимо отстранена от живота. По това време, когато великите произведения на Толстой и Достоевски издигнаха руската проза до невиждани висоти, руската драма заживя мизерно. Да преодолее тази пропаст между проза и драматургия, между литература и театър, е отредено не на друг, а на Чехов. С неговите усилия руската сцена е издигната до нивото на великата руска литература, до нивото на Толстой и Достоевски.
Какво е откритието на драматурга Чехов? На първо място, той върна самата драма към живота. Не без причина на съвременниците му се е струвало, че той просто предлага кратко написани дълги романи за сцената. Неговите пиеси бяха поразителни с необичайния си разказ, реалистична задълбоченост на техния начин. Този маниер не беше случаен. Чехов е убеден, че драмата не може да бъде притежание само на изключителни, изключителни личности, трамплин само за грандиозни събития. Искаше да открие драмата на най-обикновената ежедневна реалност. Именно за да даде достъп до драмата на ежедневието, Чехов трябваше да разруши всички остарели, здраво вкоренени драматургични канони.
„Нека всичко на сцената да бъде толкова просто и същевременно толкова сложно, колкото в живота: хората вечерят, само вечерят и в това време щастието им се сумира и животът им се разбива“, каза Чехов, извеждайки формулата на нова драма. И той започва да пише пиеси, в които е уловен естественият ход на ежедневието, сякаш напълно лишен от ярки събития, силни герои, остри конфликти. Но под горния слой на ежедневието, в едно непредубедено, сякаш случайно загребано ежедневие, където хората „току-що вечеряха“, той откри неочаквана драма, която „съчинява щастието им и разбива живота им“.
Драмата на ежедневието, дълбоко скрита в подводното течение на живота, е първото най-важно откритие на писателя. Това откритие изисква преразглеждане на предишната концепция за героите, връзката между героя и околната среда, различно изграждане на сюжета и конфликта, различна функция на събитията, разчупване на обичайните представи за драматичното действие, неговия сюжет, кулминация и развръзка , за целта на думата и мълчанието, жеста и погледа. С една дума, цялостно пресъздадена е цялата драматургична структура от горе до долу.
Чехов осмива властта на ежедневието над човека, показва как всяко човешко чувство става по-малко и изкривено във вулгарна среда, как тържественият ритуал (погребение, сватба, годишнина) се превръща в абсурд, как ежедневието убива празниците. Откривайки вулгарност във всяка клетка на живота, Чехов съчетава весела подигравка с добро настроение. Той се засмя на човешкия абсурд, но не уби самия човек със смях. В мирното ежедневие той виждаше не само заплаха, но и защита, оценяваше комфорта на живота, топлината на огнището, спасителната сила на гравитацията. Жанрът на водевила гравитира към трагичния фарс и трагикомедията. Може би затова неговите хумористични разкази са изпълнени с мотива за човечност, разбиране и съчувствие.

24. Московски художествен театър. Творчеството на К. С. Станиславски.

Московски художествен театър. Новаторската програма на Московския художествен театър (основан през 1898 г.) и връзката му с идеите на напредналата руска естетика от 19 век. Използване в творческата практика на най-добрите постижения на световния реалистичен театър. Театралната дейност на К. С. Станиславски (1863-1938) и Вл. И. Немирович-Данченко (1858-1943) преди създаването на Московския художествен театър. Създаване на Московския публичен художествен театър от Станиславски и Немирович-Данченко (1898). "Цар Фьодор Иванович" от А. К. Толстой - първото представление на Московския художествен театър. Историческа и ежедневна линия от представления на Московския художествен театър.

Постановки на пиесите на Чехов в периода 1898-1905 г.: "Чайка", "Вуйчо Ваня", "Три сестри", "Вишнева градина", "Иванов". Новаторство в интерпретацията на пиесите на Чехов.

Социално-политическа линия в репертоара на Московския художествен театър. "Доктор Стокман" Ибсен. Спектакли на пиесите на Горки "Дребни буржоа", "На дъното", "Децата на слънцето". Страст към пресъздаване на живота на сцената. "На дъното" - творческата победа на Московския художествен театър. Постановка "Децата на слънцето" по време на революционните събития от 1905 г. Ролята на Горки в идейно-творческото развитие на Художествения театър.

Актьорско изкуство на Московския художествен театър: K.S. Станиславски, И. М. Москвин, В. И. Качалов, О. Л. Книпер-Чехова, Л. М. Леонидов и др.

Константин Сергеевич Станиславски(истинско име - Алексеев; 5 януари 1863 г., Москва - 7 август 1938 г., Москва) - руски театрален режисьор, актьор и учител, реформатор на театъра. Създателят на известната актьорска система, която в продължение на 100 години е много популярна в Русия и по света. Народен артист на СССР (1936).

През 1888 г. става един от основателите на Московското общество за изкуство и литература. През 1898 г. заедно с Вл. И. Немирович-Данченко основа Московския художествен театър.

Константин Сергеевич е роден в Москва, в голямо (има общо девет братя и сестри) семейство на известен индустриалец, който е свързан със С. И. Мамонтов и братята Третякови. Баща - Алексеев, Сергей Владимирович (1836-1893), майка - Елизавета Василиевна (родена Яковлева), (1841-1904).

Кметът на Москва Н. А. Алексеев беше негов братовчед. По-малката сестра е Зинаида Сергеевна Соколова (Алексеева), заслужила артистка на RSFSR.

Неговият първи и незаконен син от селско момиче Авдотия Назаровна Копилова В. С. Сергеев (1883-1941) е осиновен от бащата на Станиславски С. В. Алексеев, след което получава фамилията и бащиното си име, по-късно става професор в Московския държавен университет, историк на древността.

Съпруга - Мария Петровна Лилина (1866-1943; от съпруга - Алексеева) - руска и съветска театрална актриса, актриса на Московския художествен театър.

С. В. Алексеев, баща на К. С. Станиславски.

През 1878-1881 г. учи в гимназията към Лазаревския институт, след което започва да служи в семейна фирма. Семейството обичаше театъра, в московската къща имаше зала, специално преустроена за театрални представления, в имението Любимовка - театрално крило.

Сценичните експерименти започват през 1877 г. в домашния Алексеевски кръг. Той интензивно учи пластичност и вокал с най-добрите учители, учи на примерите на актьорите от Малкия театър, сред неговите идоли са Ленски, Мусил, Федотова, Ермолова. Играл е в оперети: „Графинята дьо ла Фронтиер“ от Лекок (атаманът на разбойниците), „Мадмоазел Нитуш“ от Флоримор, „Микадо“ от Съливан (Нанки-Пу).

На аматьорската сцена в къщата на А. А. Карзинкин на булевард Покровски през декември 1884 г. се състоя първото му изпълнение като Подколесин в „Женитбата“ на Гогол. Също така за първи път младият актьор работи под ръководството на художника на Малия театър М. А. Решимов, който постави пиесата.

В деня на премиерата имаше и любопитство, което Константин Сергеевич запомни до края на живота си. В годините на упадък той самият говори за този епизод: „В последното действие на пиесата, както знаете, Подколесин се изкачва през прозореца. Сцената, на която се провежда представлението, беше толкова малка, че излизайки от прозореца, човек трябваше да стъпи покрай пианото, стоящо зад кулисите. Разбира се, гръмнах капака и скъсах няколко струни. Бедата е, че представлението беше дадено само като скучна прелюдия към предстоящите весели танци. Но в полунощ не можаха да намерят майстор за ремонт на пианото и нещастният изпълнител трябваше да седи цяла вечер в ъгъла на залата и да пее всички танци подред. „Това беше една от най-забавните топки“, спомня си К. С. Станиславски, „но, разбира се, не за мен.“ Също така ще съчувстваме не само на бедния младеж, но и на очарователните млади дами, които тази вечер загубиха елегантен и умел красив господин...

През 1886 г. Константин Алексеев е избран за член на дирекцията и касиер на Московския клон на Руското музикално дружество и на консерваторията към него. Негови сътрудници в дирекцията на консерваторията са П. И. Чайковски, С. И. Танеев, С. М. Третяков. Заедно с певеца и учител Ф. П. Комисаржевски и художника Ф. Л. Сологуб, Алексеев разработва проект за Московското общество за изкуство и литература (MOIiL), инвестирайки лични средства в него. По това време, за да скрие истинското си име, той взе името Станиславски за сцената.

Импулсът за създаването на Обществото беше среща с режисьора А. Ф. Федотов: в пиесата си „Играчите“ от Н. Гогол Станиславски играе Ихарев. Първото представление се състоя на 8 (20) декември 1888 г. За десет години работа на сцената на MOIiL Станиславски става известен актьор, изпълнението му на редица роли се сравнява с най-добрите произведения на професионалистите на императорската сцена, често в полза на аматьорски актьор: Анания Яковлева в Горчива съдба (1888) и Платон Имшин в А. Писемски; Паратов в "Зестра" от А. Островски (1890); Звездинцев в "Плодовете на просветата" от Л. Толстой (1891). На сцената на Обществото първият режисьорски опит е "Изгаряне на писма" от П. Гнедич (1889). Голямо впечатление на театралната общност, включително Станиславски, направи турнето в Русия през 1885 и 1890 г. на Майнингенския театър, който се отличаваше с висока производствена култура. През 1896 г. относно постановката на Станиславски „Отело“ Н. Ефрос пише: „Хората от Майнинген трябва да са оставили дълбока следа в паметта на К. С. Станиславски. Тяхната настройка е привлечена от него под формата на красив идеал и той се стреми с всички сили да се доближи до този идеал. Отело е голяма крачка напред по този красив път.

През януари 1891 г. Станиславски официално поема директорството на Дружеството за изкуства и литература. Сценични спектакли Уриел Акоста от К. Гуцков (1895), Отело (1896), Полският евреин на Еркман-Шатриан (1896), Много шум за нищо (1897), Дванадесета нощ (1897), Потъналата камбана "(1898), изиграна Акоста, бургомистър Матис, Бенедикт, Малволио, майстор Хенри. Станиславски търси, според определението, което формулира по-късно, "режисьорски похвати за разкриване на духовната същност на произведението". Следвайки примера на художниците от Майнинген, той използва автентични антични или екзотични предмети, експериментира със светлина, звук и ритъм. Впоследствие Станиславски ще открои своята постановка на „Село Степанчиков“ (1891) на Достоевски и ролята на Томас („Рай за артиста“).

Московски художествен театър

Недоволството от състоянието на драматичния театър в края на 19 век, необходимостта от реформи и отричането на сценичната рутина провокира търсенето на А. Антоан и О. Брам, А. Южин в Московския Мали театър и Вл. Немирович-Данченко във Филхармоничното училище.

През 1897 г. Немирович-Данченко кани Станиславски да се срещнат и да обсъдят редица въпроси, свързани със състоянието на театъра. Станиславски пази визитна картичка, на гърба на която с молив пише: „В един часа ще бъда на Славянския базар - ще се видим?“ На плика той подписа: „Известната първа среща-сесия с Немирович-Данченко. Първият момент от основаването на театъра.

В хода на този разговор, станал легендарен, бяха формулирани задачите на новото театрално дело и програмата за тяхното изпълнение. Според Станиславски те обсъждали „основите на бъдещия бизнес, въпросите на чистото изкуство, нашите артистични идеали, сценична етика, техника, организационни планове, проекти за бъдещия репертоар, нашите взаимоотношения“. В осемнадесетчасов разговор Станиславски и Немирович-Данченко обсъдиха състава на трупата, чийто гръбнак трябваше да бъде съставен от млади интелигентни актьори, кръг от автори (Г. Ибсен, Г. Хауптман, А. П. Чехов) и скромно сдържан дизайн на залата. Задълженията са разпределени: литературното и художественото вето е дадено на Немирович-Данченко, художественото - на Станиславски; начерта система от лозунги, според които ще живее новият театър.

На 14 (26) юни 1898 г. в крайградското предградие на Пушкино започва работата на трупата на Художествения театър, създадена от учениците на Немирович-Данченко във Филхармоничното общество и любители актьори на Дружеството за изкуства и литература. Още в първите месеци на репетициите се оказа, че разпределението на задълженията на ръководителите е условно. Репетициите на трагедията „Цар Фьодор Йоанович“ започват от Станиславски, който създава мизансцените на представлението, което шокира публиката на премиерата, а Немирович-Данченко настоява да избере своя ученик И. В. Москвин за ролята на цар Фьодор и в индивидуални уроци с художника му помогна да създаде образа на „царя-селянин“, който стана началото на представлението. Станиславски смята, че историческата и битова линия в Московския художествен театър започва с "Цар Фьодор", към който той приписва постановките на "Венецианският търговец" (1898), "Антигона" (1899), "Смъртта на Иван Ужасно" (1899), "Силата на мрака" (1902), "Юлий Цезар" (1903) и др. С А. П. Чехов свързва друга - най-важната линия от постановки на Художествения театър: линията на интуицията и чувства - където приписва "Горко от ума" от А. С. Грибоедов (1906), "Месец на село" (1909), "Братя Карамазови" (1910) и "Село Степанчиково" (1917) от Ф. М. Достоевски и други.

К. Станиславски, 1912 г.

Най-значимите представления на Художествения театър, като "Цар Федор Йоанович" от А. К. Толстой, "Чайка", "Вуйчо Ваня", "Три сестри", " Вишневата градина» от А. П. Чехов са поставени от Станиславски и Немирович-Данченко заедно. В следващите постановки на Чехов откритията на „Чайка“ бяха продължени и доведени до хармония. Принципът на непрекъснатото развитие обедини разпадащия се, разпокъсан живот на сцената. Разработен е специален принцип на сценична комуникация („обект извън партньора“), непълен, полузатворен. Зрителят на представленията на Чехов в Московския художествен театър беше доволен и измъчен от разпознаването на живота в неговите немислими преди подробности.

В съвместната работа върху пиесата на М. Горки "На дъното" (1902) се идентифицират противоречията на двата подхода. За Станиславски тласъкът беше посещението на стаите на Хитров пазар. В неговия режисьорски план има много остро забелязани детайли: мръсната риза на Медведев, обувките, увити във връхни дрехи, върху които спи Сатен. Немирович-Данченко търси "жизнерадостната лекота" на сцената като ключ към пиесата. Станиславски призна, че именно Немирович-Данченко е намерил „истинския начин да се играят пиесите на Горки“, но самият той не приема този начин на „просто отчитане на ролята“. Плакатът на "На дъното" не е подписан и от двамата режисьори. От началото на театъра и двамата директори седяха на режисьорската маса. От 1906 г. „всеки от нас имаше своя собствена маса, своя собствена пиеса, своя собствена постановка“, защото, обяснява Станиславски, всеки „искаше и можеше да следва само своята независима линия, като същевременно оставаше верен на общия, основен принцип на театъра .” Първото представление, в което Станиславски работи отделно, беше Бранд. По това време Станиславски, заедно с Мейерхолд, създава експериментално студио на Поварская (1905 г.). След това Станиславски ще продължи търсенето на нови театрални форми в "Животът на човека" на Л. Андреев (1907): на фона на черно кадифе се появяват схематично изобразени фрагменти от интериор, в които възникват схеми на хора: гротескно заострени линии на костюми, правят маски. В Синята птица от М. Метерлинк (1908) е приложен принципът на черния шкаф: ефектът на черното кадифе и техниките на осветление са използвани за магически трансформации.

Станиславски-актьор[редактиране | редактиране на wiki текст]

Когато създава Художествения театър, Станиславски вярва на Немирович-Данченко, че ролите на трагичния склад не са неговият репертоар. На сцената на Московския художествен театър той изиграва само няколко от предишните си трагични роли в спектакли от репертоара на Дружеството на изкуствата и литературата (Хайнрих от „Удавената камбана“, Имшин). В продукциите на първия сезон той играе Тригорин в Чайката и Левборг в Хеда Габлер. Според критиците неговите шедьоври на сцената са ролите: Астров в "Вуйчо Ваня", Щокман в пиесата на Г. Ибсен "Доктор Щокман"), Вершинин "Три сестри", Сатен в "На дъното", Гаев "Вишнева градина". “, Шабелски в Иванов, 1904). Дуетът на Вершинин - Станиславски и Маша - О. Книпер-Чехова влезе в съкровищницата на сценичната лирика.

Станиславски продължава да си поставя все нови и нови задачи в актьорската професия. Той изисква от себе си създаването на система, която би могла да даде на художника възможност за публично творчество според законите на „изкуството на преживяването“ във всеки момент на сцената, възможност, която се отваря пред гениите в моменти на най-високото вдъхновение. Станиславски пренася своите търсения в областта на театралната теория и педагогика в създаденото от него Първо студио (публичните показвания на неговите представления започват през 1913 г.).

Цикълът от роли в съвременната драматургия - Чехов, Горки, Л. Толстой, Ибсен, Хауптман, Хамсун - е последван от роли в класиката: Фамусов в "Горко от ума" на А. Грибоедов (1906), Ракитин в "Един месец". в провинцията" от И. Тургенев (1909), Крутицки в пиесата на А. Островски "Стига глупост за всеки мъдър човек" (1910), Арган в "Мним болен" на Молиер (1913), граф Любин в "Провинциално момиче" на В. Вичерли ”, Кавалер в „Стопанката на хана” от К. Голдони (1914).

Съдбата на Станиславски е отразена от последните му две актьорски творби: Салиери в трагедията „Моцарт и Салиери“ от А. С. Пушкин (1915) и Ростанев, когото той трябваше да играе отново в новата постановка на „Село Степанчиков“. от Ф. М. Достоевски. Причината за провала на Ростанев, ролята, която не беше показана на публиката, остава една от загадките на историята на театъра и психологията на творчеството. Според много свидетелства Станиславски "репетирал прекрасно". След генерална репетиция на 28 март (10 април) 1917 г. той спира работата по ролята. След като Ростанев „не се е родил“, Станиславски завинаги отказва нови роли (той нарушава този отказ само по необходимост, по време на турнето си в чужбина през 1922-1924 г., като се съгласява да играе губернатора Шуйски в старата пиеса „Цар Фьодор Йоанович“).

След 1917г[редактиране | редактиране на wiki текст]

К. С. Станиславски с трупата на студийния театър в Леонтиевски Лейн в декорите на имението Ленски (ок. 1922 г.)

През есента на 1918 г. Станиславски режисира 3-минутен комичен филм, който не излиза на екран и няма заглавие (в мрежата се намира под името "Риба"). Във филма участват самият Станиславски и актьорите от Художествения театър И. М. Москвин, В. В. Лужски, А. Л. Вишневски, В. И. Качалов. Сюжетът на филма е следният. В градината на къщата в Каретни И. М. Москвин, В. В. Лужски, А. Л. Вишневски и Станиславски започват репетиция и чакат В. И. Качалов, който закъснява. При тях идва Качалов, който им показва с жест, че не може да репетира, защото нещо не му е наред с гърлото. Москвин оглежда Качалов и изважда метална рибка от гърлото му. Всички се смеят.

Първата постановка на Станиславски след революцията е "Каин" (1920) на Д. Байрон. Репетициите тъкмо са започнали, когато Станиславски е взет за заложник по време на пробива на белите към Москва. Общата криза в Художествения театър се утежнява от факта, че значителна част от трупата, ръководена от Василий Качалов, който отива на турне през 1919 г., е откъсната от Москва поради военни събития. Абсолютна победа е продукцията на "Главният инспектор" (1921). За ролята на Хлестаков Станиславски назначава Михаил Чехов, който наскоро се е преместил от Московския художествен театър (театърът вече е обявен за академичен) в първото си студио. През 1922 г. Московският художествен театър под ръководството на Станиславски заминава на дълго чуждестранно турне в Европа и Америка, което е предшествано от завръщането (не в пълна сила) на трупата на Качаловски.

През 20-те години на миналия век се изостря въпросът за смяната на театралните поколения; 1-во и 3-то студио на Московския художествен театър се превърнаха в независими театри; Станиславски болезнено преживя „предателството“ на своите ученици, давайки на студията на Московския художествен театър имената на дъщерите на Шекспир от „Крал Лир“: Гонерила и Регън - 1-во и 3-то студио, Корделия - 2-ро [ източник неуточнен 1031 дни] . През 1924 г. постъпва в трупата на Художествения театър голяма групастуденти, предимно ученици от 2-ро студио.

Дейността на Станиславски през 20-те и 30-те години на миналия век се определя преди всичко от желанието му да защити традиционните художествени ценности на руското сценично изкуство. Постановката "Горещо сърце" (1926) е отговорът на онези критици, които уверяваха, че "Художественият театър е мъртъв". Бързата лекота на темпото, живописната празничност отличават "Лудия ден, или Сватбата на Фигаро" (1927) на Бомарше (постановка на А. Я. Головин).

След като се присъедини към трупата на Московския художествен театър на младежта от 2-ро студио и от школата на 3-то студио, Станиславски им преподаваше класове и пусна на сцената техните произведения, изпълнени с млади режисьори. Сред тези произведения, далеч не винаги подписани от Станиславски, са „Битката на живота“ според Дикенс (1924), „Дните на Турбините“ (1926), „Сестрите Жерар“ (пиеса на В. Маса, базирана на мелодрамата на A. Dennery и E. Cormon „Две сирачета“) и „Брониран влак 14-69“ Sun. Иванова (1927); "Прахосници" от В. Катаев и "Унтиловск" от Л. Леонов (1928).

По-късни години[редактиране | редактиране на wiki текст]

След тежък инфаркт, случил се на юбилейната вечер в Московския художествен театър през 1928 г., лекарите забраняват на Станиславски да излиза на сцената завинаги. Станиславски се връща на работа едва през 1929 г., съсредоточавайки се върху теоретични изследвания, върху педагогически тестове на „системата“ и върху класове в своето оперно студио на Болшой театър, което съществува от 1918 г. (сега Московски академичен музикален театър на името на К. С. Станиславски и Вл. И. Немирович-Данченко).

За постановката на „Отело“ в Московския художествен театър той написва режисьорската партитура на трагедията, която действие след действие изпраща заедно с писма от Ница, където се надява да завърши обработката. Публикувана през 1945 г., партитурата остава неизползвана, тъй като И. Я. Судаков успява да пусне изпълнението преди края на работата на Станиславски.

В началото на 30-те години Станиславски, използвайки авторитета си и подкрепата на завърналия се в СССР Горки, подава молба до правителството да осигури специално място за Художествения театър. Тръгнаха към него. През януари 1932 г. към името на театъра е добавено съкращението "СССР", което го приравнява с Болшой и Мали театър, през септември 1932 г. е кръстен на Горки - театърът става известен като Московския художествен театър на СССР. Горки. През 1937 г. е награден с орден Ленин, през 1938 г. - с орден Червено знаме на труда. През 1933 г. сградата на бившия театър Корш е прехвърлена на Московския художествен театър за създаване на клон на театъра.

През 1935 г. е открита последната - Оперно-драматичното студио на К. С. Станиславски (сега Московският драматичен театър на името на К. С. Станиславски) (сред произведенията - Хамлет). Практически без да напуска апартамента си в Леонтиевски Лейн, Станиславски се среща с актьорите у дома, превръщайки репетициите в актьорско училище според метода на психо-физическите действия, които развива.

Продължавайки развитието на "системата", следвайки книгата "Моят живот в изкуството" (американско издание - 1924 г., руско - 1926 г.), Станиславски успява да изпрати първия том на "Работата на актьора върху себе си" (публикувана през 1938 г. , посмъртно) за печат.

Станиславски умира на 7 август 1938 г. в Москва. Аутопсията показва, че има цял куп заболявания: разширено, неуспешно сърце, емфизем, аневризми - следствие от тежък инфаркт през 1928 г. " Изразени артериосклеротични промени се установяват във всички съдове на тялото, с изключение на мозъка, който не се поддава на този процес.“ – такова е заключението на лекарите [ източник неуточнен 784 дни] . Погребан е на 9 август на гробището в Новодевичи.

25. Творчеството на В. Е. Мейерхолд.

Всеволод Емилиевич Мейерхолд(истинско име - Карл Казимир Теодор Майерголд(Немски Карл Казимир Теодор Майерголд); 28 януари (9 февруари) 1874 г., Пенза - 2 февруари 1940 г., Москва) - руски съветски театрален режисьор, актьор и учител. Теоретик и практик на театралната гротеска, автор на програмата "Театър октомври" и създател на актьорската система, наречена "биомеханика". Народен артист на РСФСР (1923).

Биография[редактиране | редактиране на wiki текст]

Карл Казимир Теодор Майерголд е осмото дете в семейството на германизирани лутерански евреи на винопроизводителя Емил Федорович Майерголд († 1892 г.) и съпругата му Алвина Даниловна (родена Низе). През 1895 г. завършва Пензенската гимназия и постъпва в юридическия факултет на Московския университет. През същата година, след навършване на пълнолетие (21 г.), Мейерхолд приема православието и променя името си на Всеволод- в чест на любимия писател В. М. Гаршин.

През 1896 г. се премества във 2-ри курс на Театрално-музикалното училище на Московската филхармония в класа на Вл. И. Немирович-Данченко.

През 1898 г. Всеволод Мейерхолд завършва колеж и заедно с други възпитаници (О. Л. Книпер, И. М. Москвин) се присъединява към трупата на създавания Московски художествен театър. В пиесата "Цар Фьодор Йоанович", която откри Обществения художествен театър на 14 (26) октомври 1898 г., играе Василий Шуйски.

През 1902 г. Мейерхолд напуска Художествения театър с група актьори и започва самостоятелна режисьорска дейност, ръководейки трупа в Херсон заедно с А. С. Кошеверов. От втория сезон, след напускането на Кошеверов, трупата получава името "Партньорство за нова драма". През 1902-1905 г. са изнесени около 200 представления.

През май 1905 г. Константин Станиславски го кани да подготви представленията „Смъртта на Тентагил“ от М. Метерлинк, „Комедия на любовта“ от Г. Ибсен и „Шлюк и Яу“ от Г. Хауптман за Студийния театър, който планира да открие на улица „Поварская“. в Москва. Студиото обаче не съществува дълго: както се оказа, Станиславски и Мейерхолд разбират предназначението му по различни начини. След като гледаше представленията, поставени от Мейерхолд, Станиславски не смяташе за възможно да ги пусне пред публика. Години по-късно в книгата „Моят живот в изкуството” относно експериментите на Мейерхолд той пише: „Един талантлив режисьор се опита да скрие в себе си артистите, които в ръцете му бяха обикновена глина за извайване на красиви групи, мизансцензи, с помощта на които той осъществи своите интересни идеи. Но при липсата на художествена техника сред актьорите, той можеше само да демонстрира своите идеи, принципи, търсения, но нямаше какво да ги реализира, нямаше с кого и затова интересните идеи на студиото се превърнаха в абстрактна теория, в научна формула. През октомври 1905 г. студиото е затворено и Мейерхолд се завръща в провинцията.

През 1906 г. той е поканен от В. Ф. Комисаржевская в Санкт Петербург като главен режисьор на нейния собствен драматичен театър. В един сезон Мейерхолд продуцира 13 представления, включително: „Хеда Габлер“ от Г. Ибсен, „Сестра Беатриче“ от М. Метерлинк, „Публично шоу“ от А. Блок, „Животът на един човек“ от Л. Н. Андреев.

Императорски театри[редактиране | редактиране на wiki текст]

Директор на императорските театри.

През 1910 г. в Терийоки Мейерхолд поставя представление по пиесата на испанския драматург Калдерон от 17 век „Поклонение на кръста“. Режисьорът и актьорите дълго време търсят подходящо място сред природата. Намерен е в имението на писателя М. В. Крестовская в Молодьозни (фин. Metsäkyla). Тук имаше красива градина, голямо стълбище се спускаше от дачата към Финския залив - сценична платформа. Представлението, според плана, трябваше да продължи през нощта, „при светлината на горящи факли, с огромна тълпа от цялото околно население“. В Александринския театър той поставя „При кралските двери“ от К. Хамсун (1908), „Шут Тантрис“ от Е. Харт, „Дон Жуан“ от Молиер (1910), „На половината път“ от Пинеро (1914), „Зеленият пръстен“ от З. Гипиус, Упорит принц" от Калдерон (1915), "Гръмотевична буря" от А. Островски (1916), "Маскарад" от М. Лермонтов (1917). През 1911 г. поставя в Мариинския театър операта на Глук "Орфей и Евридика" (художник - Головин, хореограф - Фокин).

След революцията[редактиране | редактиране на wiki текст]

Б. Григориев. Портрет на В. Мейерхолд, 1916 г

Член на болшевишката партия от 1918 г. Работил в Тео Наркомпрос.

След Октомврийската революция поставя в Петроград "Мистерия Буф" на В. Маяковски (1918). От май 1919 г. до август 1920 г. той е в Крим и Кавказ, където преживява няколко смени на властта, арестуван е от бялото контраразузнаване. От септември 1920 г. до февруари 1921 г. - началник на ТЕО. През 1921 г. той поставя втората редакция на същата пиеса в Москва. През март 1918 г. в кафенето "Червения петел", открито в бившия проход Сан Гали, Мейерхолд поставя пиесата на А. Блок "Чужденецът". През 1920 г. той предлага и след това активно внедрява в теорията и практиката на театъра програмата "Театрален октомври".

През 1918 г. преподаването на биомеханика като теория на движенията е въведено в курсовете за сценично изпълнение в Петроград; през 1921 г. Мейерхолд използва термина за практиката на сценичното движение.

GosTeam[редактиране | редактиране на wiki текст]

Основна статия:Държавен театър на името на Vs. Мейерхолд

Държавен театър на името на Vs. Мейерхолд (ГосТиМ) е създаден в Москва през 1920 г., първоначално под името "Театър на РСФСР-I", след това от 1922 г. се нарича "Театър на актьора" и Театър ГИТИС, от 1923 г. - Театър на Мейерхолд (ТиМ); през 1926 г. театърът получава статут на държавен театър.

През 1922-1924 г. Мейерхолд, паралелно с формирането на своя театър, ръководи Театъра на революцията.

През 1928 г. GosTiM е почти затворен: заминал със съпругата си в чужбина за лечение и преговори за театралното турне, Мейерхолд остава във Франция и тъй като по същото време Михаил Чехов, който по това време оглавява Московския художествен театър, не се завръща от задгранични пътувания 2-ри и ръководител на GOSET Алексей Грановски, Мейерхолд също беше заподозрян в нежелание да се върне. Но той нямаше да емигрира и се върна в Москва, преди комисията по ликвидация да има време да разпусне театъра.

През 1930 г. GosTiM успешно гастролира в чужбина - Михаил Чехов, който се срещна с Мейерхолд в Берлин, казва в мемоарите си: „Опитах се да му предам чувствата си, по-скоро предчувствия, за неговия ужасен край, ако се върне в съветски съюз. Той слушаше мълчаливо, спокойно и тъжно ми отговори така (не помня точните думи): от ученическите години в душата си нося революцията и винаги в нейните крайни, максималистични форми. Знам, че си прав - краят ми ще бъде такъв, какъвто казваш. Но ще се върна в Съветския съюз. На въпроса ми - защо? - той отговори: от честност.

През 1934 г. пиесата "Дамата с камелиите", в която Райх играе главната роля, е гледана от Сталин и той не харесва представлението. Критиката падна върху Мейерхолд с обвинения в естетизъм. Зинаида Райх пише писмо до Сталин, че не разбира от изкуство.

На 8 януари 1938 г. театърът е закрит. Заповед на Комитета по изкуствата към Съвета на народните комисари на СССР „За ликвидацията на театъра. слънце Мейерхолд“ е публикувана във вестник „Правда“ на 8 януари 1938 г. През май 1938 г. К. С. Станиславски предлага на Мейерхолд, който остава без работа, мястото на директор на оперния театър, който самият той ръководи. След смъртта на К. С. Станиславски Мейерхолд става главен режисьор на театъра. Продължава работата по операта "Риголето".

Арест и смърт[редактиране | редактиране на wiki текст]

Снимка на НКВД след ареста

На 20 юни 1939 г. Мейерхолд е арестуван в Ленинград; по същото време е извършен обиск в апартамента му в Москва. В протокола за претърсване е записано оплакване от съпругата му Зинаида Райх, която протестира срещу методите на един от агентите на НКВД. Скоро (15 юли) тя е убита от неидентифицирани лица.

След три седмициразпити, придружени с изтезания, Мейерхолд подписва необходимите за разследването показания: той е обвинен по член 58 от Наказателния кодекс на RSFSR. През януари 1940 г. Мейерхолд пише на В. М. Молотов:

...Биха ме тук - болен шестдесет и шест годишен мъж, сложиха ме на пода с лицето надолу, биеха ме с гумен турникет по петите и по гърба, когато седнах на стол, те ме биеха със същата гума по краката […] болката беше такава, че изглеждаше, че боли чувствителните места на краката, излята с вряла вода ...

Заседанието на Военната колегия на Върховния съд на СССР се състоя на 1 февруари 1940 г. Бордът осъди директора на смърт. На 2 февруари 1940 г. присъдата е изпълнена. Списание „Театрал“ пише за мястото на погребението на Мейерхолд: „Внучката на Вс. Е. Мейерхолд Мария Алексеевна Валентей през 1956 г., след като постигна политическата си реабилитация, но без да знае тогава как и кога е починал дядо й, тя инсталира на гроба на Зинаида Николаевна Райх, на Ваганковското гробище, общ паметник - на нея, на актрисата и любимата й жена, и на него. Паметникът е гравиран с портрет на Майерхолд и надпис: „На Всеволод Емилиевич Майерхолд и Зинаида Николаевна Райх“.<…>През 1987 г. тя разбира и истинското място за погребение на Мейерхолд - „Общ гроб № 1. Погребение на непотърсена пепел от 1930 - 1942 г. включително“ в гробището на Московския крематориум близо до Донския манастир. (Съгласно решение на Политбюро от 17 януари 1940 г. № II 11/208, подписано лично от Сталин, са разстреляни 346 души. Телата им са кремирани, а пепелта, изсипана в общ гроб, е смесена с праха на др. мъртъв.)“.

През 1955 г. Върховният съд на СССР реабилитира посмъртно Мейерхолд.

Семейство[редактиране | редактиране на wiki текст]

От 1896 г. е женен за Олга Михайловна Мунд (1874-1940):

Мария (1897-1929), омъжена за Евгений Станиславович Белецки.
Татяна (1902-1986), омъжена за Алексей Петрович Воробьов.
Ирина (1905-1981), омъжена за Василий Василиевич Меркуриев.

Синът на Ирина и В. В. Меркуриев - Пьотър Василиевич Меркуриев (играе ролята на Мейерхолд във филма " аз съм актриса", 1980 г. и в телевизионния сериал" Есенин“, (2005).

От 1922 г. е женен за Зинаида Николаевна Райх (1894-1939), в първия си брак тя е омъжена за Сергей Есенин.

През 1928-1939 г. Мейерхолд живее в така наречения "Дом на художниците" в Москва, Брюсов пер., 7. Сега в апартамента му има музей

Творчество[редактиране | редактиране на wiki текст]

Театрална работа[редактиране | редактиране на wiki текст]

Актьорство[редактиране | редактиране на wiki текст]

1898 - "Цар Фьодор Йоанович" от А. К. Толстой. Режисьори К. С. Станиславски и Вл. И. Немирович-Данченко - Василий Шуйски
1898 - " Търговецът от Венеция» У. Шекспир - принц на Арагон
1898 г. - "Чайка" от А. П. Чехов. Режисьори К. С. Станиславски и Вл. И. Немирович-Данченко - Треплев
1899 г. - "Смъртта на Иван Грозни" от А. К. Толстой. Режисьори К. С. Станиславски и Вл. И. Немирович-Данченко - Иван Грозни
1899 - Антигона от Софокъл - Тирезий
1899 - "Самотен" от Г. Хауптман. Режисьори К. С. Станиславски и Вл. И. Немирович-Данченко - Йоханес
1901 г. - "Три сестри" от А. П. Чехов. Режисьори К. С. Станиславски и Вл. И. Немирович-Данченко - Тузенбах
1907 "Балаганчик" А. Блок - Пиеро

Директорски[редактиране | редактиране на wiki текст]

1907 г. - "Балаганчик" от А. Блок
1918 г. - "Mystery-Buff" от В. Маяковски

Театър на RSFSR-1 (Театър на актьора, Театър GITIS)

1920 г. - "Зори" от Е. Верхарн (съвместно с В. Бебутов). Художник В. Дмитриев
1921 г. - "Съюз на младежта" Г. Ибсен
1921 г. - "Мистерия-баф" от В. Маяковски (второ издание, съвместно с В. Бебутов)
1922 г. - "Нора" от Г. Ибсен
1922 - "The Magnanimous Cuckold" от Ф. Кромелинк. Художници Л. С. Попова и В. В. Луце
1922 г. - "Смъртта на Тарелкин" от А. Сухово-Кобилин. Режисьор С. Айзенщайн

Тим (ГосТим)

1923 г. - "Земята на края" от Мартин и С. М. Третяков. Художник Л. С. Попова
1924 г. – „Д. Д." Подгаецки според И. Еренбург. Художници И. Шлепянов, В. Ф. Федоров
1924 - "Учител Бубус" А. Файко; режисьор Сън. Мейерхолд, художник И. Шлепянов
1924 г. - "Гора" от А. Н. Островски. Художник В. Федоров.
1925 г. - "Мандат" Н. Ердман. Художници И. Шлепянов, П. В. Уилямс
1926 - Главният инспектор от Н. Гогол. Художници В. В. Дмитриев, В. П. Киселев, В. Е. Майерхолд, И. Ю. Шлепянов.
1926 г. - „Реве, Китай” от С. М. Третяков (заедно с директора на лабораторията В. Ф. Федоров). Художник С. М. Ефименко
1927 - "Прозорец към селото" Р. М. Акулшин. Художник В. А. Шестаков
1928 г. - „Горко на ума“ по комедията на А. С. Грибоедов „Горко от ума“. Художник Н. П. Улянов; композитор Б. В. Асафиев.
1929 г. - "Дървеница" от В. Маяковски. Художници Кукриникси, А. М. Родченко; композитор - Д. Д. Шостакович.
1929 г. - "Командир-2" от И. Л. Селвински. Художник В. В. Почиталов; сценография на С. Е. Вахтангов.
1930 г. - "Изстрел" от А. И. Безименски. Режисьори В. Зайчиков, С. Кезиков, А. Нестеров, Ф. Бондаренко, под ръководството на Вс. Мейерхолд; художници В. В. Калинин, Л. Н. Павлов
1930 г. - "Баня" от В. Маяковски. Художник А. А. Дейнека; сценография С. Е. Вахтангов; композитор В. Шебалин.
1931 - "Последното решаващо" Слънце. В. Вишневски. Дизайн на С. Е. Вахтангов
1931 г. - "Списък на добрите дела" от Ю. Олеша. Художници К. К. Савицки, В. Е. Майерхолд, И. Лейстиков
1933 г. - "Въведение" от Ю. П. Герман. Художник И. Лейстиков
1933 г. - "Сватбата на Кречински" от А. В. Сухово-Кобилин. Художник В. А. Шестаков.
1934 г. - "Дама с камелии" от А. Дюма син. Художник И. Лейстиков
1935 г. - "33 припадък" (по мотиви на водевил "Предложение", "Мечка" и "Юбилей" на А. П. Чехов). Художник В. А. Шестаков

В други театри

1923 г. - "Езерото Люл" А. Файко - Театър на революцията
1933 г. - "Дон Жуан" от Молиер - Ленинградски държавен драматичен театър

Филмография[редактиране | редактиране на wiki текст]

"Портретът на Дориан Грей" (1915) - режисьор, сценарист, изпълнител на ролята Лорд Хенри
"Силен човек" (1917) - реж
"Бял орел" (1928) - сановник

Наследство[редактиране | редактиране на wiki текст]

Паметник на Мейерхолд в Пенза (1999)

Точна датаСмъртта на Всеволод Мейерхолд стана известна едва през февруари 1988 г., когато КГБ на СССР позволи на внучката на режисьора Мария Алексеевна Валентей (1924-2003) да се запознае с неговото „дело“. На 2 февруари 1990 г. за първи път е отбелязан денят на смъртта на Мейерхолд.

Веднага след официалната реабилитация на Вс. Мейерхолд, през 1955 г. е създадена Комисия за творческото наследство на режисьора. От момента на основаването до 2003 г. М. А. Валентей-Мейерхолд е постоянен научен секретар на Комисията; председателства комисията по наследството през различни годиниПавел Марков (1955-1980), Сергей Юткевич (1983-1985), Михаил Царьов (1985-1987), В. Н. Плучек (1987-1988). От 1988 г. режисьорът Валери Фокин е председател на Комисията.

В края на 1988 г. беше решено да се създаде мемориален музей-апартамент в Москва - клон на Музея на театъра. А. А. Бахрушина

От 25 февруари 1989 г. в Театъра. М. Н. Ермолова, която по това време се оглавява от Валери Фокин, провежда вечери в памет на Мейерхолд.

През 1991 г., по инициатива на Комисията по наследството и с подкрепата на Съюза на театралните дейци на Русия, на базата на Общоруската асоциация „Творчески работилници“, създадена през 1987 г., Центърът на името на Vs. Мейерхолд (CIM). Центърът се занимава с научна и образователна дейност; за повече от две десетилетия от своето съществуване той се превърна в традиционно място за международни фестивали и националния фестивал "Златна маска", платформа за турнета на най-добрите европейски и руски представления.

Памет[редактиране | редактиране на wiki текст]

В Пенза на 24 февруари 1984 г. е открит Центърът за театрално изкуство "Къщата на Мейерхолд" (режисьор Наталия Аркадиевна Кугел), в която от 2003 г. работи Театърът на д-р Дапертуто.
През 1999 г. в Пенза е открит паметник на V. E. Meyerhold.
В чест на 140-годишнината от рождението на В. И. Мейерхолд в Санкт Петербург на улицата. Бородинская 6, 10 февруари 2014 г. е открита паметна плоча в залата, където е работил Мейерхолд [ източник неуточнен 366 дни] .

1. Кратки биографични сведения.
2. Най-известните пиеси на Островски; характери и конфликти.
3. Стойността на работата на Островски.

Бъдещият драматург А. Н. Островски е роден през 1823 г. Баща му служи в градския съд. Островски губи майка си на осемгодишна възраст. Бащата се жени втори път. Оставено на себе си, момчето се запалило по четенето. След като завършва гимназията, А. Н. Островски учи няколко години в Юридическия факултет на Московския университет, след което служи в съдебната система. Трябва да се отбележи, че натрупаният професионален опит играе голяма роля в последващата литературна работа на Островски. Дълбокото познаване на народния живот, което намираме в пиесите на Островски, е свързано с детски впечатления; очевидно драматургът дължи много на неомъжената си съпруга Агафия Ивановна, с която се сприятелява в средата на 50-те години, с разширяването на представите за живота на московчани. След смъртта й Островски се жени повторно (1869).

През живота си Островски постигна не само слава, но и материален просперитет. През 1884 г. е назначен за ръководител на репертоара на московските театри. А. Н. Островски умира през 1886 г. в имението си Щеликово. Интересът към произведенията на Островски обаче не избледня след смъртта му. И досега много от пиесите му се играят с успех на сцените на руските театри.

Каква е тайната на популярността на пиесите на Островски? Вероятно във факта, че героите на неговите герои, въпреки цвета на определена епоха, винаги остават модерни в основата си, в най-дълбоката си същност. Нека да разгледаме това с примери.

Една от първите пиеси, които донесоха широка популярност на Островски, е пиесата "Нашите хора - да се уредим", която първоначално се наричаше "Банкрут". Както вече споменахме, Островски по едно време е служил в съда. Сюжетът на "Банкрут" се развива на базата на реални случаиот съдебната практика: измамата на търговеца Болшов, който се обяви в неплатежоспособност, за да не изплати дълговете си, и реципрочната измама на неговия зет и дъщеря, които отказаха да изкупят „тятенко“ от дълговата дупка. Островски в тази пиеса ясно показва патриархалния живот и обичаите на московските търговци: „Мама има седем петъка в седмицата; Леля, ако не е пиян, толкова мълчи, но ако е пиян, ще го бие, вижте само. Драматургът разкрива дълбоко познаване на човешката психология: портретите на дребния тиранин Болшов, измамника Подхалюзин, Липочка, която си въобразява, че е „образовани млада дама, и други герои са много реалистични и убедителни.

Важно е да се отбележи, че в пиесата "Нашият народ - да се установим" Островски повдигна тема, която се превърна в междусекторна за цялото му творчество: това е темата за разрушаването на традиционния патриархален начин на живот, промяната в същността на човешките отношения, промяна в ценностните приоритети. Интересът към народния живот се проявява и в редица пиеси на Островски: „Не сядайте в шейната си“, „Бедността не е порок“, „Не живейте както искате“.

Трябва да се отбележи, че не всички пиеси на Островски имат правдоподобен, реалистичен край. Щастливото разрешаване на конфликта понякога изглежда умишлено, не съвсем съответстващо на характерите на героите, както например в пиесите „Бедността не е порок“, „Нежелани ябълки“. Подобни утопични "щастливи краища" обаче не намаляват високото художествено ниво на пиесите на Островски. Едно от най-известните произведения на Островски обаче е драмата "Гръмотевична буря", която може да се нарече трагедия. Всъщност тази пиеса е дълбоко трагична не само поради смъртта на главния герой във финала, но и поради неразрешимостта на конфликта, показан от Островски в „Гръмотевична буря“. Може дори да се каже, че в „Гръмотевична буря“ има не един, а два конфликта: антагонизмът на Катерина и нейната свекърва Марфа Игнатиевна (Кабаниха), както и вътрешният конфликт на Катерина. Обикновено литературните критици, следвайки Н. А. Добролюбов, наричат Катерина „лъч светлина в тъмното царство“, противопоставяйки я на Кабаниха и други герои на пиесата. Несъмнено в характера на Катерина има достойни качества. Тези качества обаче стават причина за вътрешния конфликт на героинята на Островски. Катерина не може да се примири със съдбата си, търпеливо чака времето, когато ще може да стане вторият глиган и да даде воля на характера си, или да се наслаждава на тайни срещи с любимия си, външно показвайки модел на послушание към съпруга и майка си свекър. главен герой"Гръмотевични бури" се предава на усещането си; но в сърцето си тя смята това за грях и се измъчва от угризения. Катерина няма сили да се въздържи от стъпка, която самата тя смята за греховна, но доброволното й признание за злодеянието й в очите на свекърва й изобщо не намалява вината й.

Но толкова ли са различни характерите на Катерина и нейната свекърва? Кабаниха, разбира се, е вид пълен тиранин, който въпреки показното благочестие признава само собствената си воля. Но в края на краищата може да се каже за Катерина, че в действията си тя не взема предвид нищо - нито с благоприличие, нито с благоразумие, нито дори със законите на религията. „О, Варя, ти не познаваш характера ми! Разбира се, не дай си Боже това да се случи! И ако тук ми писне, те няма да ме задържат с никаква сила “, искрено признава тя на сестрата на съпруга си. Основната разлика между Катерина е, че тя не иска да крие действията си. „Ти си някак хитър, Бог да те благослови! Но според мен: прави каквото искаш, само да беше ушито и покрито ”, изненада се Варвара. Но е малко вероятно самото момиче да го е измислило. Очевидно тя е уловила тази светска „мъдрост“ в лицемерната атмосфера на дома на майка си. Особено остро звучи темата за краха на традиционния бит в „Гръмотевична буря“ – както в зловещите предчувствия на Катерина, така и в меланхоличните въздишки на Кабаних, посветени на отиващото си „старо време“, и в страховитите пророчества на луда дама и в мрачните истории на скитника Феклуша за наближаващия край на света. Самоубийството на Катерина също е проява на рухването на патриархалните ценности, които тя предаде.

Темата за разпадането на ценностите на "старите времена" в много от пиесите на Островски се пречупва в темата за кариеризма и алчността. Героят на пиесата „Стига глупост за всеки мъдрец“, хитрият циник Глумов, дори е очарователен по своему. Освен това не може да не се признае неговата интелигентност и изобретателност, което, разбира се, ще му помогне да се измъкне от неприятната ситуация, възникнала в резултат на разкриването на неговите машинации. Образите на благоразумни бизнесмени се срещат повече от веднъж в пиесите на Островски. Това е Василков от Луди пари и Беркутов от Вълци и овце.

В пиесата „Гората” отново звучи темата за упадъка, но не за патриархалния търговски бит, а за постепенното разрушаване на основите на живота на благородниците. Виждаме благородника Гурмижски в образа на провинциалния трагик Несчастливцев, а леля му, вместо да се погрижи за съдбата на своя племенник и племенница, необмислено харчи пари по темата за късната си любов.

Трябва да се отбележат пиесите на Островски, които с право могат да бъдат наречени психологически драми, например "Зестра", "Таланти и почитатели", "Виновни без вина". Героите на тези произведения са двусмислени, многостранни личности. Например Паратов от „Зестра“ е блестящ джентълмен, светски мъж, който лесно може да завърти главата на романтична млада дама, „идеалът за мъж“ в очите на Лариса Огудалова, но в същото време той е разумен бизнесмен и циник, за когото нищо не е свято: аз, Моки Парменич, няма нищо съкровено; Ще намеря печалба, така че ще продам всичко, всичко. Карандишев, годеникът на Лариса, не е просто дребен чиновник, „човек“, „сламка“, за която Лариса се опитва да се хване в отчаяние, но и човек с болезнено наранена гордост. А за самата Лариса можем да кажем, че тя е фина, надарена природа, но не знае как трезво да оценява хората и да се отнася към тях спокойно, прагматично.

В заключение трябва да се отбележи, че Островски твърдо влезе в литературата и сценичното изкуство като писател, положил реалистични традиции в руския театър, майстор на битовата и психологическата проза на 19 век. Пиесите на Колумб Замоскворечие, както критиците наричат Островски, отдавна са се превърнали в класика на руската литература и театър.

Творческите идеи на A.N. Островски. Карандишев. Символното значение на имената и фамилиите. Целта на урока. На пръв поглед първите две явления са експозиция. Какво научаваме за Паратов. Обсъждане на образа на L.I. Огудалова. Анализ на драмата "Зестра". Обикновено името на пиесите на Островски е поговорки, поговорки. А.Н. Драма на Островски "Зестра". герои. Паратов Сергей Сергеевич.

"Пиесата на Островски" Гръмотевична буря "" - Дайте описание на всеки литературен герой. Жертви на "тъмното кралство". Катерина. Каква роля играе сцената на бурята в пиесата? Прочетете на глас монолога на Катерина в сцената на покаянието. Барбара - в превод от гръцки: чужденец, странник. Прочетете на глас последните думи на Катерина. Какво е вашето мнение и защо? Кабанова Марфа Игнатиевна е типичен представител на "тъмното царство".

"Пиесата" Зестра "" - Или може би тук е правилното решение: откровеното предложение на Кнуров .... Катерина е наистина трагична героиня. "Зестра". Героинята на „Зестра“ няма желание да се самоубие. Светът на Лариса съдържа както циганска песен, така и руски романс. Капитализмът процъфтява. Снимка 1911 г. Изображение на Паратов. Но в края на краищата способността да се увличате и разточителността изобщо не отхвърля трезвото изчисление. И всички гледат на Лариса като на стилно, модерно, луксозно нещо.

"Героите на гръмотевичната буря" - Основната тема на гръмотевичната буря. Концепцията за огледални изображения. Резултатите от действията на героите. Два конфликта. Малък академичен художествен театър. Социална дейност на А. Н. Островски. Уроците на Катерина. И. Левитан. Творчеството на драматурга. Александър Николаевич Островски. Характеристика на речта. Протестът на Катрин. Пиесата "Гръмотевична буря" е написана през 1859 г. Речник. любов. Народен театър. Човешки чувства.

"Пиесата на Островски" Зестра "" - Какъв човек е Паратов. Карандишев стреля. Жестока романтика. Островски. Лариса Паратова има ли нужда от това? Младоженецът на Лариса. Проблемни въпроси. Любов към Лариса. Какво дава циганската песен на пиесата и филма. Поетични редове. Мистерията на пиесата на Островски. Анализ на пиесата. Циганска песен. Какво е Карандишев. Придобиване на умения за анализ на текст. Изразителни умения. Тъжна песен за зестра. Романтика.

"Героите на снежната девойка" - фолклор. Съдържанието на песните. Древен руски обред. огромна мощност. Тестове за фиксиране по темата. Какви герои са просто страхотни. Танцуващи птици. А.Н. Островски. В.М.Васнецов. Уважение към културните традиции на народа. Силата и красотата на природата. Образът на Лели. Гоблин. Фантастични герои. Зимна приказка. Резултати от тестовете. Музикални инструменти. Сцена. Музика. Музика на Римски-Корсаков. герои.