Τα κύρια θέματα στο έργο του A. Ostrovsky. Χαρακτηριστικά του στυλ Ostrovsky που άνοιξε στον κόσμο

Αυτό το χαρακτηριστικό του Ostrovsky σημειώθηκε από τους κριτικούς ακόμη και όταν εμφανίστηκαν τα πρώτα του έργα. «... Η ικανότητα να απεικονίζεις την πραγματικότητα όπως είναι - «μαθηματική πιστότητα στην πραγματικότητα», η απουσία οποιασδήποτε υπερβολής ... Όλα αυτά δεν είναι χαρακτηριστικά γνωρίσματαποίηση του Γκόγκολ. όλα αυτά είναι τα ιδιαίτερα χαρακτηριστικά της νέας κωμωδίας», έγραψε ο Μπ. Αλμάζοφ στο άρθρο «Όνειρο με αφορμή μια κωμωδία». Ήδη στην εποχή μας, ο κριτικός λογοτεχνίας A. Skaftymov στο έργο του «Belinsky and the dramaturgy of A. N. Ostrovsky» σημείωσε ότι «η πιο εντυπωσιακή διαφορά μεταξύ των έργων του Gogol και του Ostrovsky είναι ότι ο Gogol δεν έχει θύμα κακίας και ο Ostrovsky έχει πάντα μια κακία που υποφέρει θύμα... Απεικονίζοντας την κακία, ο Οστρόφσκι προστατεύει κάτι από αυτό, προστατεύει κάποιον... Έτσι, όλο το περιεχόμενο του έργου αλλάζει. Το έργο χρωματίζεται από τον πάσχοντα λυρισμό, εισέρχεται στην ανάπτυξη φρέσκων, ηθικά καθαρών ή ποιητικών συναισθημάτων. Οι προσπάθειες του συγγραφέα στρέφονται προς την απότομη προβολή της εσωτερικής νομιμότητας, της αλήθειας και της ποίησης της γνήσιας ανθρωπότητας, καταπιεσμένης και εκδιωγμένης σε μια ατμόσφαιρα κυρίαρχου συμφέροντος και εξαπάτησης. Η προσέγγιση του Οστρόφσκι στην απεικόνιση της πραγματικότητας, η οποία είναι διαφορετική από αυτή του Γκόγκολ, εξηγείται, φυσικά, από την πρωτοτυπία του ταλέντου του, τις «φυσικές» ιδιότητες του καλλιτέχνη, αλλά και (αυτό δεν πρέπει να αγνοηθεί) από τον αλλαγμένο χρόνο: αυξημένη προσοχή στο άτομο, στα δικαιώματά του, αναγνώριση της αξίας του.

Vl. Ο Ι. Νεμίροβιτς-Νταντσένκο στο βιβλίο του «Η γέννηση του θεάτρου» επισημαίνει με οξυδέρκεια τι κάνει τα έργα του Οστρόφσκι ιδιαίτερα γραφικά: «η ατμόσφαιρα ευγένειας», «ξεκάθαρη, σταθερή συμπάθεια είναι στο πλευρό των προσβεβλημένων, στους οποίους η αίθουσα του θεάτρου είναι πάντα εξαιρετικά ευαίσθητη».

«Ω, μην κλαις. δεν αξίζουν τα δάκρυά σου. Είσαι ένα άσπρο περιστέρι σε ένα μαύρο κοπάδι από πύργους, οπότε σε ραμφίζουν. Η λευκότητά σας, η αγνότητά σας είναι προσβλητική γι 'αυτούς», λέει ο Narokov Sasha Negina στο Talents and Admirers.

Πίσω μπροστά

Προσοχή! Η προεπισκόπηση της διαφάνειας είναι μόνο για ενημερωτικούς σκοπούς και ενδέχεται να μην αντιπροσωπεύει την πλήρη έκταση της παρουσίασης. Αν ενδιαφέρεσαι αυτή η δουλειάπαρακαλώ κατεβάστε την πλήρη έκδοση.

«Δούλευα όλη μου τη ζωή».

Διαφάνεια 1 και 2.

Στόχοι μαθήματος:εισαγάγετε τους μαθητές σε έναν νέο συγγραφέα. καθορίζουν την πρωτοτυπία του έργου του, που εκφράζεται στην αντανάκλαση των προβλημάτων της εποχής. επιδεικνύουν καινοτομία και παράδοση στο έργο του Α.Ν. Οστρόφσκι, η πρωτοτυπία του στυλ του.

Διαφάνεια 3.

Κατά τη διάρκεια των μαθημάτων

Εγώ. Διάλεξη καθηγητή με παρουσίαση.

διαφάνεια 4.

1. Σελίδες της ιστορίας του ρωσικού θεάτρου πριν από τον Α.Ν. Ostrovsky (πληροφορίες).Η πρωτοτυπία των θεμάτων των δραματικών έργων. χαρακτηριστικά των ηρώων (κτήματα). αρχές ανάπτυξης χαρακτήρα. Οι προκάτοχοι του A. Ostrovsky: D.I. Fonvizin, A.S. Griboyedov, A.S. Pushkin, N.V. Γκόγκολ.

Διαφάνεια 5.

2. Χαρακτηριστικά των θεατρικών έργων του Οστρόφσκι.Ένας νέος ήρωας, που η ρωσική λογοτεχνία δεν γνώριζε πριν από αυτόν. "Άνοιξε στον κόσμο έναν άνθρωπο ενός νέου σχηματισμού: έναν παλιό πιστό έμπορο και έναν καπιταλιστή έμπορο, έναν έμπορο με αρμενικό παλτό και έναν έμπορο με τρόικα, που ταξιδεύει στο εξωτερικό και κάνει τη δική του επιχείρηση. Ο Οστρόφσκι άνοιξε διάπλατα την πόρτα στο κόσμο, μέχρι τότε κλειδωμένος πίσω από ψηλούς φράχτες από αδιάκριτα βλέμματα» - έγραψε ο V.G. Marantsman. Ο νέος ήρωας του Ostrovsky καθορίζει την πρωτοτυπία των προβλημάτων και των θεμάτων των έργων, τα χαρακτηριστικά των χαρακτήρων των χαρακτήρων.

Διαφάνειες 6-13

3. Σελίδες της βιογραφίας του θεατρικού συγγραφέα:οικογένεια, Zamoskvorechie, μελέτη, υπηρεσία. Η ζωή στο Zamoskvorechye, η εργασία σε ευσυνείδητα και εμπορικά δικαστήρια, όπου οι κύριοι «πελάτες» είναι έμποροι, επέτρεψαν στον θεατρικό συγγραφέα να παρατηρήσει τη ζωή της τάξης των εμπόρων. Όλα αυτά αντικατοπτρίζονται στα έργα του Οστρόφσκι, οι χαρακτήρες των οποίων μοιάζουν βγαλμένοι από τη ζωή. Η απίστευτη εργασιακή ικανότητα του συγγραφέα συνέβαλε στη γέννηση 48 έργων στα οποία δρουν 547 ήρωες.

Διαφάνειες 14-19

4. Έναρξη λογοτεχνικής δραστηριότητας.

Η δημιουργική διαδρομή του Α. Οστρόφσκι.

Το πρώτο έργο - το έργο "Αφερέγγυος οφειλέτης" - εμφανίστηκε το 1847 στην εφημερίδα "Moscow city sheet". Το 1850, το ίδιο έργο, τροποποιημένο από τον συγγραφέα, δημοσιεύτηκε στο περιοδικό Moskvityanin. Στη συνέχεια, ήταν υπό κράτηση για 10 χρόνια, επειδή σε αυτό, σύμφωνα με τον Dobrolyubov, "... η ανθρώπινη αξιοπρέπεια, η ελευθερία του ατόμου, η πίστη στην αγάπη και την ευτυχία και το ιερό της έντιμης εργασίας" συνθλίβονται σε σκόνη και ποδοπατούνται με θάρρος από τυράννων.

«Αυτό κάνω τώρα, συνδυάζοντας το υψηλό με το κόμικ», έγραψε ο Οστρόφσκι το 1853, ορίζοντας την εμφάνιση ενός νέου ήρωα, ενός ήρωα με «καυτή καρδιά», ειλικρινούς, ευθύς. Το ένα μετά το άλλο, τα έργα «Η φτώχεια δεν είναι βίτσιο», «Μην κάθεσαι στο δικό σου έλκηθρο», «Κερδοφόρος τόπος», «Δάσος», «Καυτή καρδιά», «Ταλέντα και θαυμαστές», «Ένοχοι χωρίς ενοχές» και εμφανίζονται άλλοι. "Και ένα τέτοιο πνεύμα έχει γίνει μέσα μου: Δεν φοβάμαι τίποτα! Φαίνεται ότι με έκοψε σε κομμάτια, θα το βάλω ακόμα μόνη μου", λέει η ηρωίδα του έργου "Ο μαθητής". "Δεν φοβάμαι τίποτα" - αυτό είναι το κύριο πράγμα στον νέο ήρωα του Ostrovsky.

Διαφάνεια 20

Το The Thunderstorm (1860) είναι ένα έργο για μια αφυπνισμένη, διαμαρτυρόμενη προσωπικότητα που δεν θέλει πλέον να ζει σύμφωνα με τους νόμους που καταστέλλουν την προσωπικότητα.

διαφάνεια 21

"Δάσος" (1870) - το έργο θέτει τα αιώνια ερωτήματα των ανθρώπινων σχέσεων, προσπαθεί να λύσει το πρόβλημα του ηθικού και του ανήθικου.

διαφάνεια 22

«Το Snow Maiden (1873) είναι μια ματιά στον αρχαίο, πατριαρχικό, παραμυθένιο κόσμο, στον οποίο κυριαρχούν και οι υλικές σχέσεις (Μπομπύλ και Μπομπυλίχα).

διαφάνεια 23

«Προίκα» (1879) - η ματιά του θεατρικού συγγραφέα 20 χρόνια αργότερα για τα προβλήματα που τέθηκαν στο δράμα «Καταιγίδα».

II. Μαθητικές παραστάσεις. Ατομικές εργασίες για το μάθημα.

Διαφάνειες 24-38

1. Χαρακτηριστικά του στυλ του Ostrovsky (Ατομικές εργασίες)

1. Μιλώντας επώνυμα?
2. Μια ασυνήθιστη παρουσίαση των χαρακτήρων στην αφίσα, που ορίζει τη σύγκρουση που θα αναπτυχθεί στο έργο.
3. Ειδικές παρατηρήσεις του συγγραφέα.
4. Ο ρόλος του σκηνικού που παρουσιάζει ο συγγραφέας στον καθορισμό του χώρου του δράματος και του χρόνου δράσης
5. Η πρωτοτυπία των ονομάτων (συχνά από ρωσικές παροιμίες και ρήσεις).
6. Φολκ στιγμες?
7. Παράλληλη εξέταση συγκριτικών ηρώων.
8. Η σημασία του πρώτου αντιγράφου του ήρωα.
9. "Προετοιμασμένη εμφάνιση", οι κύριοι χαρακτήρες δεν εμφανίζονται αμέσως, άλλοι μιλούν πρώτα γι 'αυτούς.
10. Η ιδιαιτερότητα των χαρακτηριστικών λόγου των χαρακτήρων.

Τελικές ερωτήσεις

Διαφάνεια 39

• Μπορούμε να μιλήσουμε για τη νεωτερικότητα των έργων του Οστρόφσκι; Αποδείξτε την άποψη σας.
• Γιατί τα σύγχρονα θέατρα στρέφονται συνεχώς στα έργα του θεατρικού συγγραφέα;
• Γιατί είναι τόσο δύσκολο να «εκσυγχρονίσεις» τα έργα του Α. Ν. Οστρόφσκι;

III. Περίληψη μαθήματος.

Διαφάνειες 40-42

ΕΝΑ. Ο Ostrovsky άνοιξε μια σελίδα άγνωστη στον θεατή, φέρνοντας έναν νέο ήρωα στη σκηνή - έναν έμπορο. Πριν από αυτόν, η ρωσική θεατρική ιστορία αποτελούνταν από λίγα μόνο ονόματα. Ο θεατρικός συγγραφέας συνέβαλε τεράστια στην ανάπτυξη του ρωσικού θεάτρου. Το έργο του, συνεχίζοντας τις παραδόσεις των Fonvizin, Griboyedov, Pushkin, Gogol, είναι καινοτόμο στην απεικόνιση ηρώων, στη γλώσσα των χαρακτήρων και στα κοινωνικο-ηθικά προβλήματα που τίθενται.

Εργασία για το σπίτι:

Δραματική Θύελλα. Η ιστορία της δημιουργίας, το σύστημα των εικόνων, οι μέθοδοι αποκάλυψης των χαρακτήρων των χαρακτήρων. Η φύση της σύγκρουσης. Η σημασία του ονόματος.

Ομάδα 1.Η ιστορία του έργου. Μηνύματα μαθητών (εργασίες για το σπίτι με επιπλέον βιβλιογραφία).

Ομάδα 2Το νόημα του τίτλου του έργου είναι «Καταιγίδα».

Ομάδα 3.Το σύστημα των χαρακτήρων στο έργο

Ομάδα 4. Χαρακτηριστικά της αποκάλυψης των χαρακτήρων των ηρώων.

Άνοιξε τον κόσμο σε έναν άνθρωπο ενός νέου σχηματισμού: έναν παλιό πιστό έμπορο και έναν έμπορο καπιταλιστή, έναν έμπορο με αρμενικό παλτό και έναν έμπορο με μια «τρόικα», που ταξιδεύει στο εξωτερικό και κάνει τη δική του επιχείρηση. Ο Οστρόφσκι άνοιξε διάπλατα την πόρτα στον κόσμο, μέχρι τότε κλειδωμένος πίσω από ψηλούς φράχτες από παράξενα αδιάκριτα βλέμματα.
V. G. Marantsman

Η δραματουργία είναι ένα είδος που περιλαμβάνει την ενεργό αλληλεπίδραση του συγγραφέα και του αναγνώστη στην εξέταση των κοινωνικών ζητημάτων που θέτει ο συγγραφέας. Ο Α. Ν. Οστρόφσκι πίστευε ότι η δραματουργία έχει ισχυρό αντίκτυπο στην κοινωνία, το κείμενο είναι μέρος της παράστασης, αλλά το έργο δεν ζει χωρίς σκηνικό. Εκατοντάδες και χιλιάδες θα το δουν και πολύ λιγότεροι θα το διαβάσουν. Η εθνικότητα είναι το κύριο χαρακτηριστικό του δράματος της δεκαετίας του 1860: ήρωες από το λαό, μια περιγραφή της ζωής των κατώτερων στρωμάτων του πληθυσμού, η αναζήτηση ενός θετικού εθνικού χαρακτήρα. Η Δράμα είχε πάντα την ικανότητα να απαντά σε επίκαιρα θέματα. Δημιουργικότητα Ο Ostrovsky ήταν στο επίκεντρο της δραματουργίας αυτής της εποχής, ο Yu. M. Lotman αποκαλεί τα έργα του την κορυφή του ρωσικού δράματος. Ο I. A. Goncharov αποκάλεσε τον Ostrovsky δημιουργό του «ρωσικού εθνικού θεάτρου» και ο N. A. Dobrolyubov ονόμασε τα δράματά του «life plays», αφού στα έργα του η ιδιωτική ζωή των ανθρώπων διαμορφώνεται σε εικόνα. σύγχρονη κοινωνία. Στην πρώτη μεγάλη κωμωδία «Οι άνθρωποι μας - Ας τακτοποιηθούμε» (1850), μέσα από ενδοοικογενειακές συγκρούσεις προβάλλονται οι δημόσιες αντιθέσεις. Με αυτό το έργο ξεκίνησε το θέατρο του Ostrovsky, σε αυτό εμφανίστηκαν για πρώτη φορά οι νέες αρχές της σκηνικής δράσης, η συμπεριφορά ενός ηθοποιού και η θεατρική ψυχαγωγία.

Δημιουργικότητα Ο Οστρόφσκι ήταν νέος στο ρωσικό δράμα. Τα έργα του χαρακτηρίζονται από την πολυπλοκότητα και την πολυπλοκότητα των συγκρούσεων, το στοιχείο του είναι ένα κοινωνικο-ψυχολογικό δράμα, μια κωμωδία τρόπων. Χαρακτηριστικά του ύφους του είναι ομιλητικά επώνυμα, συγκεκριμένες παρατηρήσεις συγγραφέα, ιδιόρρυθμοι τίτλοι θεατρικών έργων, μεταξύ των οποίων χρησιμοποιούνται συχνά παροιμίες, κωμωδίες βασισμένες σε λαογραφικά κίνητρα. Η σύγκρουση των έργων του Οστρόφσκι βασίζεται κυρίως στην ασυμβατότητα του ήρωα με το περιβάλλον. Τα δράματά του μπορούν να ονομαστούν ψυχολογικά, περιέχουν όχι μόνο μια εξωτερική σύγκρουση, αλλά και ένα εσωτερικό δράμα μιας ηθικής αρχής.

Τα πάντα στα έργα αναδημιουργούν ιστορικά με ακρίβεια τη ζωή της κοινωνίας, από την οποία ο θεατρικός συγγραφέας παίρνει τις πλοκές του. Ο νέος ήρωας των δραμάτων του Οστρόφσκι - ένας απλός άνθρωπος - καθορίζει την πρωτοτυπία του περιεχομένου και ο Οστρόφσκι δημιουργεί ένα «λαϊκό δράμα». Πέτυχε ένα τεράστιο έργο - έκανε το «ανθρωπάκι» τραγικό ήρωα. Ο Οστρόφσκι είδε το καθήκον του ως δραματικού συγγραφέα να κάνει την ανάλυση του τι συνέβαινε το κύριο περιεχόμενο του δράματος. «Ένας δραματικός συγγραφέας... δεν συνθέτει αυτό που ήταν - δίνει ζωή, ιστορία, θρύλο. το κύριο καθήκον του είναι να δείξει με βάση ποια ψυχολογικά δεδομένα συνέβη κάποιο γεγονός και γιατί ήταν έτσι και όχι αλλιώς "- αυτή, σύμφωνα με τον συγγραφέα, είναι η ουσία του δράματος. Ο Οστρόφσκι αντιμετώπιζε τη δραματουργία ως μια μαζική τέχνη που εκπαιδεύει τους ανθρώπους και όρισε τον σκοπό του θεάτρου ως «σχολή κοινωνικών ηθών». Οι πρώτες του παραστάσεις συγκλόνισαν με την αληθοφάνεια και την απλότητά τους, ειλικρινείς ήρωες με «καυτή καρδιά». Ο θεατρικός συγγραφέας δημιούργησε, «συνδυάζοντας το υψηλό με το κόμικ», δημιούργησε σαράντα οκτώ έργα και επινόησε περισσότερους από πεντακόσιους ήρωες.

Τα έργα του Οστρόφσκι είναι ρεαλιστικά. Στο εμπορικό περιβάλλον, το οποίο παρατηρούσε μέρα με τη μέρα και πίστευε ότι το παρελθόν και το παρόν της κοινωνίας ήταν ενωμένα σε αυτό, ο Ostrovsky αποκαλύπτει εκείνες τις κοινωνικές συγκρούσεις που αντικατοπτρίζουν τη ζωή της Ρωσίας. Και αν στο "The Snow Maiden" αναδημιουργεί τον πατριαρχικό κόσμο, μέσα από τον οποίο μαντεύονται μόνο τα σύγχρονα προβλήματα, τότε η "Κραυνοθύελλα" του είναι μια ανοιχτή διαμαρτυρία του ατόμου, η επιθυμία ενός ανθρώπου για ευτυχία και ανεξαρτησία. Αυτό έγινε αντιληπτό από τους θεατρικούς συγγραφείς ως επιβεβαίωση της δημιουργικής αρχής της αγάπης για την ελευθερία, που θα μπορούσε να γίνει η βάση ενός νέου δράματος. Ο Οστρόφσκι δεν χρησιμοποίησε ποτέ τον ορισμό της «τραγωδίας», προσδιορίζοντας τα έργα του ως «κωμωδίες» και «δράματα», παρέχοντας μερικές φορές εξηγήσεις στο πνεύμα των «εικόνων της ζωής της Μόσχας», «σκηνών από τη ζωή του χωριού», «σκηνών από τη ζωή στο πίσω δάσος», επισημαίνοντας ότι ότι μιλάμε για τη ζωή ενός ολόκληρου κοινωνικού περιβάλλοντος. Ο Dobrolyubov είπε ότι ο Ostrovsky δημιούργησε ένα νέο είδος δραματικής δράσης: χωρίς διδακτική, ο συγγραφέας ανέλυσε ιστορικές καταβολέςσύγχρονα φαινόμενα στην κοινωνία.

Η ιστορική προσέγγιση των οικογενειακών και κοινωνικών σχέσεων είναι το πάθος του έργου του Οστρόφσκι. Ανάμεσα στους ήρωές του υπάρχουν άνθρωποι διαφορετικές ηλικίεςχωρισμένο σε δύο στρατόπεδα - μικρούς και μεγάλους. Για παράδειγμα, όπως γράφει ο Yu. M. Lotman, στο The Thunderstorm ο Kabanikha είναι ο «φύλακας της αρχαιότητας» και η Κατερίνα «κουβαλάει δημιουργικότηταανάπτυξη», γι' αυτό θέλει να πετάει σαν πουλί.

Η διαμάχη μεταξύ αρχαιότητας και νεωτερικότητας, σύμφωνα με τον μελετητή της λογοτεχνίας, είναι μια σημαντική πτυχή της δραματικής σύγκρουσης στα έργα του Οστρόφσκι. Οι παραδοσιακές μορφές της καθημερινής ζωής θεωρούνται αιώνια ανανεωτικές, και μόνο σε αυτό βλέπει ο θεατρικός συγγραφέας τη βιωσιμότητά τους... Το παλιό μπαίνει στη νέα, στη σύγχρονη ζωή, στην οποία μπορεί να παίξει τον ρόλο είτε ενός στοιχείου «δεσμεύματος», καταπιεστικού την ανάπτυξή του, ή τη σταθεροποίηση, διασφαλίζοντας τη δύναμη της αναδυόμενης καινοτομίας, ανάλογα με το περιεχόμενο του παλιού που συντηρεί τη ζωή των ανθρώπων. Ο συγγραφέας συμπάσχει πάντα με τους νέους ήρωες, ποιεί την επιθυμία τους για ελευθερία, ανιδιοτέλεια. Ο τίτλος του άρθρου του A. N. Dobrolyubov "Μια ακτίνα φωτός σε ένα σκοτεινό βασίλειο" αντικατοπτρίζει πλήρως τον ρόλο αυτών των ηρώων στην κοινωνία. Είναι ψυχολογικά παρόμοια μεταξύ τους, ο συγγραφέας συχνά χρησιμοποιεί ήδη ανεπτυγμένους χαρακτήρες. Το θέμα της θέσης μιας γυναίκας στον κόσμο του υπολογισμού επαναλαμβάνεται και στα «Η φτωχή νύφη», «Καυτή καρδιά», «Προίκα».

Αργότερα το σατιρικό στοιχείο εντάθηκε στα δράματα. Ο Οστρόφσκι αναφέρεται στην αρχή του Γκόγκολ της «καθαρής κωμωδίας», φέρνοντας στο προσκήνιο τα χαρακτηριστικά του κοινωνικού περιβάλλοντος. Ο χαρακτήρας των κωμωδιών του είναι αποστάτης και υποκριτής. Ο Οστρόφσκι στρέφεται επίσης στο ιστορικό-ηρωικό θέμα, ανιχνεύοντας τη διαμόρφωση κοινωνικών φαινομένων, την ανάπτυξη από ένα «ανθρωπάκι» σε έναν πολίτη.

Αναμφίβολα, τα έργα του Οστρόφσκι θα έχουν πάντα έναν σύγχρονο ήχο. Τα θέατρα στρέφονται διαρκώς στο έργο του, άρα στέκεται εκτός χρονικού πλαισίου.

Δραματουργία του A.P. Chekhov.

Ο Τσέχοφ αποκαλείται «Σαίξπηρ του 20ού αιώνα». Πράγματι, το δράμα του, όπως και του Σαίξπηρ, έπαιξε μια τεράστια καμπή στην ιστορία του παγκόσμιου δράματος. Γεννημένος στη Ρωσία στις αρχές του νέου αιώνα, έχει εξελιχθεί σε ένα τόσο καινοτόμο καλλιτεχνικό σύστημα που καθόρισε τη μελλοντική ανάπτυξη της δραματουργίας και του θεάτρου σε όλο τον κόσμο.
Φυσικά, η καινοτομία της δραματουργίας του Τσέχοφ προετοιμάστηκε από τις αναζητήσεις και τις ανακαλύψεις των μεγάλων προκατόχων του, τα δραματικά έργα του Πούσκιν και του Γκόγκολ, του Οστρόφσκι και του Τουργκένιεφ, στην καλή, δυνατή παράδοση της οποίας βασίστηκε. Όμως ήταν τα έργα του Τσέχοφ που έκαναν πραγματική επανάσταση στη θεατρική σκέψη της εποχής τους. Η είσοδός του στη σφαίρα του δράματος σηματοδότησε μια νέα αφετηρία στην ιστορία της ρωσικής καλλιτεχνικής κουλτούρας.
Μέχρι τα τέλη του 19ου αιώνα, η ρωσική δραματουργία βρισκόταν σε σχεδόν άθλια κατάσταση. Κάτω από την πένα των συγγραφέων χειροτεχνίας, οι άλλοτε υψηλές παραδόσεις του δράματος εκφυλίστηκαν σε κλισέ ρουτίνας, μετατράπηκαν σε νεκρούς κανόνες. Η σκηνή έχει αφαιρεθεί πολύ αισθητά από τη ζωή. Εκείνη την εποχή, όταν τα μεγάλα έργα του Τολστόι και του Ντοστογιέφσκι ανέβασαν τη ρωσική πεζογραφία σε πρωτόγνωρα ύψη, το ρωσικό δράμα απέκτησε μια άθλια ύπαρξη. Για να ξεπεράσει αυτό το χάσμα μεταξύ πεζογραφίας και δραματουργίας, μεταξύ λογοτεχνίας και θεάτρου, δεν προοριζόταν για κανέναν άλλον από τον Τσέχοφ. Με τις προσπάθειές του, η ρωσική σκηνή ανέβηκε στο επίπεδο της μεγάλης ρωσικής λογοτεχνίας, στο επίπεδο του Τολστόι και του Ντοστογιέφσκι.
Ποια ήταν η ανακάλυψη του Τσέχοφ του θεατρικού συγγραφέα; Πρώτα απ 'όλα, επανέφερε το ίδιο το δράμα στη ζωή. Όχι χωρίς λόγο, φάνηκε στους συγχρόνους του ότι απλώς πρόσφερε σύντομα γραμμένα μεγάλα μυθιστορήματα για τη σκηνή. Τα έργα του ήταν εντυπωσιακά με την ασυνήθιστη αφήγηση, τη ρεαλιστική πληρότητα του τρόπου τους. Αυτός ο τρόπος δεν ήταν τυχαίος. Ο Τσέχοφ ήταν πεπεισμένος ότι το δράμα δεν μπορεί να είναι ιδιοκτησία μόνο εξαιρετικών, εξαιρετικών προσωπικοτήτων, εφαλτήριο μόνο για μεγαλεπήβολα γεγονότα. Ήθελε να ανακαλύψει το δράμα της πιο συνηθισμένης καθημερινής πραγματικότητας. Για να δώσει πρόσβαση στο δράμα της καθημερινής ζωής ο Τσέχοφ έπρεπε να καταστρέψει όλους τους ξεπερασμένους, γερά ριζωμένους δραματικούς κανόνες.
«Ας είναι όλα στη σκηνή τόσο απλά και ταυτόχρονα τόσο περίπλοκα όσο στη ζωή: οι άνθρωποι δειπνούν, μόνο δειπνούν, και εκείνη την ώρα η ευτυχία τους αθροίζεται και οι ζωές τους καταστρέφονται», είπε ο Τσέχοφ, αντλώντας τη φόρμουλα ενός νέο δράμα. Και άρχισε να γράφει έργα στα οποία αποτυπωνόταν η φυσική πορεία της καθημερινότητας, σαν να στερούνταν εντελώς φωτεινά γεγονότα, δυνατούς χαρακτήρες, έντονες συγκρούσεις. Όμως, κάτω από το ανώτερο στρώμα της καθημερινότητας, σε μια απροκατάληπτη, σαν τυχαία σαρωμένη καθημερινότητα, όπου οι άνθρωποι «μόλις δείπνησαν», ανακάλυψε ένα απροσδόκητο δράμα που «αποτελεί την ευτυχία τους και σπάει τη ζωή τους».
Το δράμα της καθημερινότητας, βαθιά κρυμμένο στο υπόγειο ρεύμα της ζωής, ήταν η πρώτη σημαντικότερη ανακάλυψη του συγγραφέα. Αυτή η ανακάλυψη απαιτούσε αναθεώρηση της προηγούμενης έννοιας των χαρακτήρων, της σχέσης μεταξύ του ήρωα και του περιβάλλοντος, μια διαφορετική κατασκευή της πλοκής και της σύγκρουσης, μια διαφορετική λειτουργία των γεγονότων, το σπάσιμο των συνηθισμένων ιδεών για τη δραματική δράση, την πλοκή, την κορύφωση και την κατάληξή της. , για το σκοπό της λέξης και της σιωπής, της χειρονομίας και του βλέμματος. Με μια λέξη, ολόκληρη η δραματική δομή από πάνω μέχρι κάτω έχει υποστεί μια πλήρη αναδημιουργία.
Ο Τσέχοφ γελοιοποίησε τη δύναμη της καθημερινότητας πάνω σε έναν άνθρωπο, έδειξε πώς σε ένα χυδαίο περιβάλλον κάθε ανθρώπινο συναίσθημα γίνεται μικρότερο, παραμορφωμένο, πώς μια επίσημη τελετουργία (κηδεία, γάμος, επέτειος) μετατρέπεται σε παραλογισμό, πώς η καθημερινότητα σκοτώνει τις διακοπές. Βρίσκοντας τη χυδαιότητα σε κάθε κύτταρο της ζωής, ο Τσέχοφ συνδύασε μια εύθυμη κοροϊδία με καλό χιούμορ. Γέλασε με τον ανθρώπινο παραλογισμό, αλλά δεν σκότωσε τον ίδιο τον άνθρωπο στα γέλια. Στην ειρηνική καθημερινή ζωή, είδε όχι μόνο απειλή, αλλά και προστασία, εκτίμησε την άνεση της ζωής, τη ζεστασιά της εστίας, τη σωτήρια δύναμη της βαρύτητας. Το είδος του βοντβίλ έλκεται προς την τραγική φάρσα και την τραγική κωμωδία. Ίσως γι' αυτό οι χιουμοριστικές του ιστορίες ήταν γεμάτες με το κίνητρο της ανθρωπιάς, της κατανόησης και της συμπάθειας.

24. Θέατρο Τέχνης της Μόσχας. Δημιουργικότητα του K.S. Stanislavsky.

Θέατρο Τέχνης της Μόσχας. Το καινοτόμο πρόγραμμα του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας (ιδρύθηκε το 1898) και η σύνδεσή του με τις ιδέες της προηγμένης ρωσικής αισθητικής του 19ου αιώνα. Χρήση στη δημιουργική πρακτική των καλύτερων επιτευγμάτων του παγκόσμιου ρεαλιστικού θεάτρου. Θεατρικές δραστηριότητες των K. S. Stanislavsky (1863-1938) και Vl. I. Nemirovich-Danchenko (1858-1943) πριν από τη δημιουργία του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας. Δημιουργία του Δημόσιου Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας από τους Στανισλάφσκι και Νεμίροβιτς-Νταντσένκο (1898). "Τσάρος Fedor Ivanovich" του A. K. Tolstoy - η πρώτη παράσταση του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας. Ιστορική και καθημερινή σειρά παραστάσεων του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας.

Παραγωγές θεατρικών έργων του Τσέχοφ την περίοδο 1898-1905: «Ο Γλάρος», «Θείος Βάνια», «Τρεις αδερφές», «Ο Βυσσινόκηπος», «Ιβάνοφ». Καινοτομία στην ερμηνεία των έργων του Τσέχοφ.

Κοινωνικοπολιτική γραμμή στο ρεπερτόριο του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας. «Δόκτωρ Στόκμαν» Ίψεν. Παραστάσεις των έργων του Γκόρκι «Μικροαστός», «Στο βυθό», «Τα παιδιά του Ήλιου». Πάθος για την αναδημιουργία της ζωής στη σκηνή. "Στο κάτω μέρος" - η δημιουργική νίκη του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας. Ανεβάζοντας τα «Παιδιά του Ήλιου» στα επαναστατικά γεγονότα του 1905. Ο ρόλος του Γκόρκι στην ιδεολογική και δημιουργική εξέλιξη του Θεάτρου Τέχνης.

Υποκριτική τέχνη του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας: K.S. Stanislavsky, I. M. Moskvin, V. I. Kachalov, O. L. Knipper-Chekhova, L. M. Leonidov και άλλοι.

Konstantin Sergeevich Stanislavsky(Το πραγματικό του όνομα - Αλεξέεφ; 5 Ιανουαρίου 1863, Μόσχα - 7 Αυγούστου 1938, Μόσχα) - Ρώσος σκηνοθέτης θεάτρου, ηθοποιός και δάσκαλος, μεταρρυθμιστής του θεάτρου. Ο δημιουργός του διάσημου συστήματος υποκριτικής, που εδώ και 100 χρόνια είναι πολύ δημοφιλές στη Ρωσία και στον κόσμο. Λαϊκός καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ (1936).

Το 1888 έγινε ένας από τους ιδρυτές της Εταιρείας Τέχνης και Λογοτεχνίας της Μόσχας. Το 1898, μαζί με τον Βλ. Ο I. Nemirovich-Danchenko ίδρυσε το Θέατρο Τέχνης της Μόσχας.

Ο Konstantin Sergeevich γεννήθηκε στη Μόσχα, σε μια μεγάλη (είχε εννέα αδέρφια και αδερφές συνολικά) οικογένεια γνωστού βιομήχανου, που είχε σχέση με τον S. I. Mamontov και τους αδελφούς Tretyakov. Πατέρας - Alekseev, Sergey Vladimirovich (1836-1893), μητέρα - Elizaveta Vasilievna (nee Yakovleva), (1841-1904).

Ο δήμαρχος της Μόσχας N. A. Alekseev ήταν ξάδερφός του. Η μικρότερη αδερφή είναι η Zinaida Sergeevna Sokolova (Alekseeva), τιμημένη καλλιτέχνης της RSFSR.

Ο πρώτος και νόθος γιος του από μια αγρότισσα Avdotya Nazarovna Kopylova V. S. Sergeev (1883-1941) υιοθετήθηκε από τον πατέρα του Stanislavsky S. V. Alekseev, μετά από τον οποίο έλαβε το επώνυμο και το πατρώνυμο του, αργότερα έγινε καθηγητής στο Κρατικό Πανεπιστήμιο της Μόσχας, ιστορικός της αρχαιότητας.

Σύζυγος - Maria Petrovna Lilina (1866-1943; από τον σύζυγό της - Alekseeva) - Ρωσική και Σοβιετική ηθοποιός θεάτρου, ηθοποιός του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας.

S. V. Alekseev, πατέρας του K. S. Stanislavsky.

Το 1878-1881 σπούδασε στο γυμνάσιο του Ινστιτούτου Lazarev, μετά το οποίο άρχισε να υπηρετεί σε μια οικογενειακή εταιρεία. Η οικογένεια αγαπούσε το θέατρο, στο σπίτι της Μόσχας υπήρχε μια αίθουσα ειδικά ανακατασκευασμένη για θεατρικές παραστάσεις, στο κτήμα Lyubimovka - μια πτέρυγα θεάτρου.

Τα σκηνικά πειράματα ξεκίνησαν το 1877 στον οικιακό κύκλο Alekseevsky. Σπούδασε εντατικά πλαστικότητα και φωνητικά με τους καλύτερους δασκάλους, μελέτησε με τα παραδείγματα των ηθοποιών του θεάτρου Maly, μεταξύ των ειδώλων του ήταν οι Lensky, Musil, Fedotova, Yermolova. Έπαιξε σε οπερέτες: «The Countess de la Frontière» του Lecoq (ο αταμάνος των ληστών), «Mademoiselle Nitouche» του Florimore, «The Mikado» του Sullivan (Nanki-Poo).

Στην ερασιτεχνική σκηνή στο σπίτι του A. A. Karzinkin στη λεωφόρο Pokrovsky, τον Δεκέμβριο του 1884, έγινε η πρώτη του παράσταση ως Podkolesin στο «Γάμος» του Γκόγκολ. Επίσης, για πρώτη φορά, ο νεαρός ηθοποιός εργάστηκε υπό τη διεύθυνση του καλλιτέχνη του θεάτρου Maly M. A. Reshimov, ο οποίος ανέβασε το έργο.

Την ημέρα της πρεμιέρας, υπήρχε επίσης μια περιέργεια που θυμόταν ο Κωνσταντίνος Σεργκέεβιτς για το υπόλοιπο της ζωής του. Στα χρόνια της πτώσης του, ο ίδιος μίλησε για αυτό το επεισόδιο: «Στην τελευταία πράξη του έργου, όπως γνωρίζετε, ο Podkolesin ανεβαίνει από το παράθυρο. Η σκηνή όπου λαμβάνει χώρα η παράσταση ήταν τόσο μικρή που βγαίνοντας από το παράθυρο έπρεπε να περπατήσει κανείς κατά μήκος του πιάνου που στεκόταν πίσω από τη σκηνή. Φυσικά, φύσηξα το καπάκι και έσπασα μερικές χορδές. Το πρόβλημα είναι ότι η παράσταση δόθηκε μόνο ως βαρετό προοίμιο για τους επερχόμενους εύθυμους χορούς. Αλλά τα μεσάνυχτα δεν μπορούσαν να βρουν έναν δάσκαλο να επισκευάσει το πιάνο και ο άτυχος ερμηνευτής έπρεπε να καθίσει όλο το βράδυ στη γωνία της αίθουσας και να τραγουδήσει όλους τους χορούς στη σειρά. «Ήταν μια από τις πιο διασκεδαστικές μπάλες», θυμάται ο K. S. Stanislavsky, «αλλά, φυσικά, όχι για μένα». Θα συμπάσχουμε επίσης όχι μόνο με τον φτωχό νεαρό άνδρα, αλλά και με τις γοητευτικές νεαρές κυρίες που έχασαν σήμερα το βράδυ έναν κομψό και επιδέξιο όμορφο κύριο...

Το 1886, ο Konstantin Alekseev εξελέγη μέλος της διεύθυνσης και ταμίας του παραρτήματος της Μόσχας της Ρωσικής Μουσικής Εταιρείας και του ωδείου που συνδέεται με αυτήν. Συνεργάτες του στη διεύθυνση του ωδείου ήταν οι P. I. Tchaikovsky, S. I. Taneev, S. M. Tretyakov. Μαζί με τον τραγουδιστή και δάσκαλο F. P. Komissarzhevsky και τον καλλιτέχνη F. L. Sollogub, ο Alekseev αναπτύσσει ένα έργο για την Εταιρεία Τέχνης και Λογοτεχνίας της Μόσχας (MOIiL), επενδύοντας προσωπικά κεφάλαια σε αυτό. Αυτή τη στιγμή, για να κρύψει το πραγματικό του όνομα, πήρε το όνομα Στανισλάφσκι για τη σκηνή.

Η ώθηση για τη δημιουργία της Εταιρείας ήταν μια συνάντηση με τον σκηνοθέτη A.F. Fedotov: στο έργο του "The Players" του N. Gogol, ο Stanislavsky έπαιξε τον Ikharev. Η πρώτη παράσταση πραγματοποιήθηκε στις 8 (20) Δεκεμβρίου 1888. Για δέκα χρόνια δουλειάς στη σκηνή του MOIiL, ο Stanislavsky έγινε διάσημος ηθοποιός, η ερμηνεία του σε διάφορους ρόλους συγκρίθηκε με τα καλύτερα έργα των επαγγελματιών της αυτοκρατορικής σκηνής, συχνά υπέρ ενός ερασιτέχνη ηθοποιού: Anania Yakovleva στο A Bitter Fate (1888) και Platon Imshin στο A. Pisemsky; Paratov στην «Προίκα» του A. Ostrovsky (1890); Ζβεζντίντσεφ στους «Οι καρποί του Διαφωτισμού» του Λ. Τολστόι (1891). Στη σκηνή της Εταιρείας, η πρώτη σκηνοθετική εμπειρία ήταν το «Burning Letters» του P. Gnedich (1889). Μεγάλη εντύπωση στη θεατρική κοινότητα, συμπεριλαμβανομένου του Στανισλάφσκι, έκανε σε περιοδεία στη Ρωσία, το 1885 και το 1890, το Θέατρο Μάινινγκεν, το οποίο διακρινόταν για υψηλή παραγωγική κουλτούρα. Το 1896, σχετικά με τον Οθέλλο του Στανισλάφσκι, ο Ν. Έφρος έγραψε: «Ο λαός του Μάινινγκεν πρέπει να άφησε βαθύ σημάδι στη μνήμη του Κ. Σ. Στανισλάφσκι. Το σκηνικό τους έλκεται προς αυτόν με τη μορφή ενός όμορφου ιδανικού και προσπαθεί με όλες του τις δυνάμεις να προσεγγίσει αυτό το ιδανικό. Ο Othello είναι ένα μεγάλο βήμα μπροστά σε αυτό το όμορφο μονοπάτι.

Τον Ιανουάριο του 1891, ο Στανισλάφσκι ανέλαβε επίσημα τη διεύθυνση της Εταιρείας Τεχνών και Λογοτεχνίας. Σκηνοθετημένες παραστάσεις Uriel Acosta του K. Gutskov (1895), Othello (1896), Erkman-Shatrian's The Polish Jew (1896), Much Ado About Nothing (1897), Twelfth Night (1897), The Sunken Bell (1898), παίζεται Acosta, οικοδεσπότης Matis, Benedict, Malvolio, master Henry. Ο Στανισλάφσκι αναζητούσε, σύμφωνα με τον ορισμό που διατύπωσε αργότερα, «τεχνικές σκηνοθέτη για να αποκαλύψει την πνευματική ουσία του έργου». Ακολουθώντας το παράδειγμα των καλλιτεχνών του Μάινινγκεν, χρησιμοποιεί αυθεντικά αντίκες ή εξωτικά αντικείμενα, πειραματίζεται με το φως, τον ήχο και τον ρυθμό. Στη συνέχεια, ο Στανισλάφσκι θα ξεχώριζε την παραγωγή του στο Χωριό του Στεπαντσίκοφ (1891) του Ντοστογιέφσκι και τον ρόλο του Θωμά (Παράδεισος για τον Καλλιτέχνη).

Θέατρο Τέχνης της Μόσχας

Η δυσαρέσκεια για την κατάσταση του δραματικού θεάτρου στα τέλη του 19ου αιώνα, η ανάγκη για μεταρρυθμίσεις και η άρνηση της σκηνικής ρουτίνας προκάλεσαν την αναζήτηση του A. Antoine και του O. Bram, του A. Yuzhin στο θέατρο Maly της Μόσχας και του Vl. Nemirovich-Danchenko στη Φιλαρμονική Σχολή.

Το 1897, ο Nemirovich-Danchenko κάλεσε τον Stanislavsky να συναντηθούν και να συζητήσουν μια σειρά ζητημάτων που σχετίζονται με την κατάσταση του θεάτρου. Ο Στανισλάφσκι κράτησε μια επαγγελματική κάρτα, στο πίσω μέρος της οποίας γράφει με μολύβι: «Θα είμαι στο Slavianski Bazaar στη μία η ώρα - τα λέμε;» Στον φάκελο, υπέγραψε: «Η περίφημη πρώτη συνάντηση-κάθισμα με τον Νεμίροβιτς-Νταντσένκο. Η πρώτη στιγμή της ίδρυσης του θεάτρου.

Στην πορεία αυτής της θρυλικής κουβέντας διαμορφώθηκαν τα καθήκοντα της νέας θεατρικής επιχείρησης και το πρόγραμμα υλοποίησής τους. Σύμφωνα με τον Στανισλάφσκι, συζήτησαν «τα θεμέλια της μελλοντικής επιχείρησης, ζητήματα καθαρής τέχνης, τα καλλιτεχνικά μας ιδανικά, τη σκηνική ηθική, την τεχνική, τα οργανωτικά σχέδια, τα έργα για το μελλοντικό ρεπερτόριο, τις σχέσεις μας». Σε μια δεκαοκτάωρη συνομιλία, ο Στανισλάφσκι και ο Νεμίροβιτς-Νταντσένκο συζήτησαν τη σύνθεση του θιάσου, η ραχοκοκαλιά του οποίου επρόκειτο να αποτελούνταν από νέους ευφυείς ηθοποιούς, έναν κύκλο συγγραφέων (Γ. Ίψεν, Γ. Χάουπτμαν, Α. Π. Τσέχοφ) και σεμνά χαμηλών τόνων σχεδιασμός της αίθουσας. Τα καθήκοντα μοιράστηκαν: το λογοτεχνικό και καλλιτεχνικό βέτο δόθηκε στον Nemirovich-Danchenko, το καλλιτεχνικό βέτο στον Stanislavsky. σκιαγράφησε ένα σύστημα συνθημάτων με το οποίο θα ζούσε το νέο θέατρο.

Στις 14 Ιουνίου (26), 1898, στο προάστιο του Pushkino, ξεκίνησε το έργο του θιάσου του Θεάτρου Τέχνης, που δημιουργήθηκε από τους μαθητές του Nemirovich-Danchenko στη Φιλαρμονική Εταιρεία και ερασιτέχνες ηθοποιούς της Εταιρείας Τεχνών και Λογοτεχνίας. Στους πρώτους κιόλας μήνες των προβών, αποδείχθηκε ότι η κατανομή των καθηκόντων των αρχηγών είναι υπό όρους. Οι πρόβες της τραγωδίας «Τσάρος Φιοντόρ Ιωαννόβιτς» ξεκίνησαν από τον Στανισλάφσκι, ο οποίος δημιούργησε τις σκηνές του έργου που συγκλόνισαν το κοινό στην πρεμιέρα και ο Νεμίροβιτς-Νταντσένκο επέμενε να επιλέξει τον μαθητή του Ι. Β. Μόσκβιν για τον ρόλο του Τσάρου. Ο Φιόντορ από έξι υποψηφίους και, σε ατομικά μαθήματα με τον καλλιτέχνη, τον βοήθησε να δημιουργήσει μια συγκινητική εικόνα του «βασιλιά-αγρότη», που έγινε το άνοιγμα της παράστασης. Ο Στανισλάφσκι πίστευε ότι η ιστορική και καθημερινή γραμμή στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας ξεκίνησε με τον "Τσάρο Φιοντόρ", στον οποίο απέδωσε τις παραγωγές "Ο έμπορος της Βενετίας" (1898), "Αντιγόνη" (1899), "Ο θάνατος του Ιβάν ο Τρομερό» (1899), «Η δύναμη του σκότους» (1902), «Ιούλιος Καίσαρας» (1903) κ.λπ. Με τον Α. Π. Τσέχοφ συνέδεσε μια άλλη - τη σημαντικότερη σειρά παραγωγών του Θεάτρου Τέχνης: τη γραμμή της διαίσθησης και αισθήματα - όπου απέδωσε το «We from Wit» του A.S. Griboyedov (1906), «A Month in the Village» (1909), «The Brothers Karamazov» (1910) και «The Village of Stepanchikovo» (1917) του F. M. Dostoevsky και οι υπολοιποι.

Κ. Στανισλάφσκι, 1912.

Οι πιο σημαντικές παραστάσεις του Θεάτρου Τέχνης, όπως ο "Τσάρος Φέντορ Ιωάννοβιτς" του Α. Κ. Τολστόι, "Ο Γλάρος", "Θείος Βάνια", "Τρεις Αδελφές", " Ο Βυσσινόκηπος» του A.P. Chekhov ανέβηκαν από τον Stanislavsky και τον Nemirovich-Danchenko μαζί. Στις επόμενες παραγωγές του Τσέχοφ, οι ανακαλύψεις του Γλάρου συνεχίστηκαν και ήρθαν σε αρμονία. Η αρχή της συνεχούς ανάπτυξης ένωσε την καταρρέουσα, ανόμοια ζωή στη σκηνή. Αναπτύχθηκε μια ειδική αρχή σκηνικής επικοινωνίας («ένα αντικείμενο έξω από τον συνεργάτη»), ημιτελής, ημίκλειστη. Ο θεατής στις παραστάσεις του Τσέχοφ στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας ήταν ευχαριστημένος και βασανισμένος από την αναγνώριση της ζωής, στις μέχρι πρότινος αδιανόητες λεπτομέρειες της.

Στο κοινό έργο για το έργο του Μ. Γκόρκι «Στο βυθό» (1902), εντοπίστηκαν οι αντιφάσεις των δύο προσεγγίσεων. Για τον Στανισλάφσκι, η ώθηση ήταν μια επίσκεψη στα ενοικιαζόμενα δωμάτια της Αγοράς Khitrov. Στο σκηνοθετικό του σχέδιο, υπάρχουν πολλές λεπτομέρειες που παρατηρούνται έντονα: το βρώμικο πουκάμισο του Μεντβέντεφ, τα παπούτσια τυλιγμένα με εξωτερικά ρούχα πάνω στα οποία κοιμάται ο Σατέν. Ο Νεμίροβιτς-Νταντσένκο έψαχνε για «εύθυμη ελαφρότητα» στη σκηνή ως το κλειδί του έργου. Ο Στανισλάφσκι παραδέχτηκε ότι ήταν ο Νεμίροβιτς-Νταντσένκο που βρήκε "τον πραγματικό τρόπο να παίζεις τα έργα του Γκόρκι", αλλά ο ίδιος δεν αποδέχτηκε αυτόν τον τρόπο "απλά αναφορά του ρόλου". Την αφίσα του «Στο βυθό» δεν υπέγραφε κανένας από τους δύο σκηνοθέτες. Από την αρχή του θεάτρου και οι δύο σκηνοθέτες κάθισαν στο τραπέζι του σκηνοθέτη. Από το 1906, «ο καθένας μας είχε το δικό του τραπέζι, το δικό του έργο, τη δική του παραγωγή», γιατί, εξηγεί ο Στανισλάφσκι, ο καθένας «ήθελε και μπορούσε να ακολουθήσει μόνο τη δική του ανεξάρτητη γραμμή, παραμένοντας πιστός στη γενική, βασική αρχή του θεάτρου. .» Η πρώτη παράσταση όπου ο Στανισλάφσκι δούλεψε χωριστά ήταν ο Μπραντ. Αυτή τη στιγμή, ο Stanislavsky, μαζί με τον Meyerhold, δημιουργούν ένα πειραματικό στούντιο στην Povarskaya (1905). Στη συνέχεια, ο Στανισλάφσκι θα συνέχιζε την αναζήτησή του για νέες θεατρικές φόρμες στο Life of a Man (1907) του L. Andreev: με φόντο μαύρου βελούδου, εμφανίστηκαν σχηματικά απεικονισμένα θραύσματα εσωτερικών χώρων, στα οποία προέκυψαν σχέδια ανθρώπων: γκροτέσκο μυτερές γραμμές κοστουμιών. - επάνω μάσκες. Στο The Blue Bird του M. Maeterlinck (1908), εφαρμόστηκε η αρχή του μαύρου ντουλαπιού: το εφέ του μαύρου βελούδου και οι τεχνικές φωτισμού χρησιμοποιήθηκαν για μαγικές μεταμορφώσεις.

Stanislavsky-ηθοποιός[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

Όταν δημιούργησε το Θέατρο Τέχνης, ο Στανισλάφσκι πίστεψε στον Νεμίροβιτς-Νταντσένκο ότι οι ρόλοι της τραγικής αποθήκης δεν ήταν το ρεπερτόριό του. Στη σκηνή του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας, έπαιξε μόνο μερικούς από τους προηγούμενους τραγικούς του ρόλους σε παραστάσεις από το ρεπερτόριο της Εταιρείας Τεχνών και Λογοτεχνίας (Heinrich από το The Drowned Bell, Imshin). Στις παραγωγές της πρώτης σεζόν έπαιξε τον Τριγκόριν στον Γλάρο και τον Λέβμποργκ στη Χέντα Γκάμπλερ. Σύμφωνα με τους κριτικούς, τα αριστουργήματά του στη σκηνή ήταν οι ρόλοι: Αστρόφ στον «Θείο Βάνια», Στόκμαν στο έργο του Γ. Ίψεν «Γιατρός Στόκμαν»), Βερσίνιν «Τρεις αδερφές», Σατέν στο «Στο βυθό», Γκάεφ «Ο βυσσινόκηπος. ", Shabelsky in Ivanov, 1904). Το ντουέτο των Vershinin - Stanislavsky και Masha - O. Knipper-Chekhova μπήκε στο θησαυροφυλάκιο των σκηνικών στίχων.

Ο Στανισλάφσκι συνεχίζει να θέτει στον εαυτό του όλο και περισσότερα νέα καθήκοντα στο επάγγελμα του ηθοποιού. Απαιτεί από τον εαυτό του τη δημιουργία ενός συστήματος που θα μπορούσε να δώσει στον καλλιτέχνη τη δυνατότητα δημόσιας δημιουργικότητας σύμφωνα με τους νόμους της «τέχνης της εμπειρίας» σε κάθε στιγμή της παρουσίας του στη σκηνή, μια ευκαιρία που ανοίγεται σε ιδιοφυΐες σε στιγμές της υψηλότερης έμπνευση. Ο Στανισλάφσκι μετέφερε τις αναζητήσεις του στον τομέα της θεατρικής θεωρίας και παιδαγωγικής στο Πρώτο Στούντιο που δημιούργησε (οι δημόσιες εκπομπές των παραστάσεων του ξεκίνησαν το 1913).

Ο κύκλος των ρόλων στο σύγχρονο δράμα - Τσέχοφ, Γκόρκι, Λ. Τολστόι, Ίψεν, Χάουπτμαν, Χάμσουν - ακολούθησαν ρόλοι στα κλασικά: Φαμουσόφ στο «Αλίμονο από εξυπνάδα» του Α. Γκριμπογιέντοφ (1906), Ρακίτιν στο «Ένας μήνας. στη Χώρα» του I. Turgenev (1909), ο Krutitsky στο έργο του A. Ostrovsky «Enough Stupidity for Every Wise Man» (1910), ο Argan στο «Imaginary Sick» του Molière (1913), ο Count Lubin στο «Provincial Girl» του W. Wicherly. », Καβαλιέ στο «Η οικοδέσποινα του πανδοχείου» του Κ. Γκολντόνι (1914).

Σχετικά με τη μοίρα του Στανισλάφσκι, οι δύο τελευταίες υποκριτικές του δουλειές απάντησαν: ο Σαλιέρι στην τραγωδία «Μότσαρτ και Σαλιέρι» του Α. Σ. Πούσκιν (1915) και ο Ροστάνεφ, τον οποίο υποτίθεται ότι θα έπαιζε ξανά στη νέα παραγωγή του «Το χωριό του Στεπαντσίκοφ». του F. M. Dostoevsky. Ο λόγος για την αποτυχία του Ροστάνεφ, ο ρόλος που δεν προβλήθηκε στο κοινό, παραμένει ένα από τα μυστήρια της ιστορίας του θεάτρου και της ψυχολογίας της δημιουργικότητας. Σύμφωνα με πολλές μαρτυρίες, ο Στανισλάφσκι «έκανε υπέροχες πρόβες». Μετά από μια πρόβα τζενεράλε στις 28 Μαρτίου (10 Απριλίου 1917), σταμάτησε να δουλεύει για τον ρόλο. Αφού ο Ροστάνεφ «δεν γεννήθηκε», ο Στανισλάφσκι αρνήθηκε για πάντα νέους ρόλους (παραβίασε αυτήν την άρνηση μόνο εξ ανάγκης, κατά τις περιοδείες του στο εξωτερικό το 1922-1924, συμφωνώντας να παίξει τον κυβερνήτη Σούισκι στο παλιό έργο «Τσάρος Φιόντορ Ιωάννοβιτς»).

Μετά το 1917[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

Ο Κ. Σ. Στανισλάφσκι με τον θίασο του στούντιο θεάτρου στη λωρίδα Λεοντιέφσκι στο σκηνικό του αρχοντικού Λένσκι (περίπου 1922)

Το φθινόπωρο του 1918, ο Στανισλάφσκι σκηνοθέτησε μια 3λεπτη κωμική ταινία που δεν κυκλοφόρησε και δεν έχει τίτλο (βρίσκεται στο δίκτυο με το όνομα "Fish"). Στην ταινία συμμετέχουν ο ίδιος ο Stanislavsky και οι ηθοποιοί του Θεάτρου Τέχνης I. M. Moskvin, V. V. Luzhsky, A. L. Vishnevsky, V. I. Kachalov. Η υπόθεση της ταινίας έχει ως εξής. Στον κήπο του σπιτιού στο Karetny, ο I. M. Moskvin, ο V. V. Luzhsky, ο A. L. Vishnevsky και ο Stanislavsky ξεκινούν μια πρόβα και περιμένουν τον V. I. Kachalov, ο οποίος έχει καθυστερήσει. Τους πλησιάζει ο Κατσάλοφ, ο οποίος του κάνει νόημα ότι δεν μπορεί να κάνει πρόβα, γιατί κάτι δεν πάει καλά με το λαιμό του. Ο Moskvin εξετάζει τον Kachalov και του αφαιρεί ένα μεταλλικό ψάρι από το λαιμό του. Όλοι γελούν.

Η πρώτη παραγωγή του Στανισλάφσκι μετά την επανάσταση ήταν ο Κάιν του Ντ. Βύρωνα (1920). Οι πρόβες είχαν μόλις ξεκινήσει όταν ο Στανισλάφσκι πιάστηκε όμηρος κατά τη διάρκεια της εισβολής των Λευκών στη Μόσχα. Η γενική κρίση στο Θέατρο Τέχνης επιδεινώθηκε από το γεγονός ότι ένα σημαντικό μέρος του θιάσου, με επικεφαλής τον Βασίλι Κατσάλοφ, ο οποίος πήγε σε περιοδεία το 1919, αποκόπηκε από τη Μόσχα λόγω στρατιωτικών εκδηλώσεων. Απόλυτη νίκη ήταν η παραγωγή του Γενικού Επιθεωρητή (1921). Για τον ρόλο του Χλεστάκοφ, ο Στανισλάφσκι διόρισε τον Μιχαήλ Τσέχοφ, ο οποίος είχε μετακομίσει πρόσφατα από το Θέατρο Τέχνης της Μόσχας (το θέατρο είχε ήδη ανακηρυχθεί ακαδημαϊκό) στο 1ο του στούντιο. Το 1922, το Θέατρο Τέχνης της Μόσχας υπό τη διεύθυνση του Στανισλάφσκι πήγε σε μια μακρά ξένη περιοδεία σε Ευρώπη και Αμερική, της οποίας προηγήθηκε η επιστροφή (όχι σε πλήρη ισχύ) του θιάσου Kachalovsky.

Στη δεκαετία του 1920, το ζήτημα της αλλαγής των θεατρικών γενεών έγινε οξύ. το 1ο και το 3ο στούντιο του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας μετατράπηκαν σε ανεξάρτητα θέατρα. Ο Στανισλάφσκι βίωσε οδυνηρά την "προδοσία" των μαθητών του, δίνοντας στα στούντιο του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας τα ονόματα των κορών του Σαίξπηρ από τον Βασιλιά Ληρ: Goneril και Regan - το 1ο και το 3ο στούντιο, το Cordelia - το 2ο [ απροσδιόριστη πηγή 1031 ημέρες] . Το 1924 εντάχθηκε στον θίασο του Θεάτρου Τέχνης ΜΕΓΑΛΗ ομαδαφοιτητές στούντιο, κυρίως μαθητές του 2ου στούντιο.

Η δραστηριότητα του Στανισλάφσκι στις δεκαετίες του 1920 και του 1930 καθορίστηκε, πρώτα απ 'όλα, από την επιθυμία του να υπερασπιστεί τις παραδοσιακές καλλιτεχνικές αξίες της ρωσικής σκηνικής τέχνης. Η παραγωγή του «Hot Heart» (1926) ήταν η απάντηση σε όσους κριτικούς διαβεβαίωναν ότι «Το Θέατρο Τέχνης πέθανε». Ο γρήγορος ρυθμός, το γραφικό γλέντι ξεχώρισαν την Τρελή Ημέρα του Μπομαρσέ ή Ο γάμος του Φίγκαρο (1927) (σκηνικό του A. Ya. Golovin).

Αφού εντάχθηκε στον θίασο του νεανικού Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας από το 2ο στούντιο και από τη σχολή του 3ου στούντιο, ο Στανισλάφσκι τους δίδαξε μαθήματα και κυκλοφόρησε στη σκηνή τα έργα τους που έπαιξαν με νέους σκηνοθέτες. Μεταξύ αυτών των έργων, όχι πάντα υπογεγραμμένα από τον Στανισλάφσκι, είναι «Η μάχη της ζωής» κατά τον Ντίκενς (1924), «Οι μέρες των τουρμπίνων» (1926), «Οι αδελφές Ζεράρ» (ένα θεατρικό έργο του Β. Μάσα βασισμένο στο το μελόδραμα των A. Dennery και E. Cormon «Two orphans») και «Armored Train 14-69» Κυρ. Ivanova (1927); «Σπαταλιστές» του V. Kataev και «Untilovsk» του L. Leonov (1928).

Αργότερα χρόνια[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

Μετά από μια σοβαρή καρδιακή προσβολή που συνέβη την επετειακή βραδιά στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας το 1928, οι γιατροί απαγόρευσαν στον Στανισλάφσκι να ανέβει για πάντα στη σκηνή. Ο Στανισλάφσκι επέστρεψε στη δουλειά μόνο το 1929, εστιάζοντας στη θεωρητική έρευνα, στα παιδαγωγικά τεστ του «συστήματος» και στα μαθήματα στο στούντιο της όπερας του θεάτρου Μπολσόι, που υπήρχε από το 1918 (τώρα το Ακαδημαϊκό Μουσικό Θέατρο της Μόσχας με το όνομα K. S. Stanislavsky και Vl. I. Nemirovich-Danchenko).

Για την παραγωγή του Οθέλλου στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας, έγραψε τη σκηνοθετική παρτιτούρα της τραγωδίας, η οποία εστάλη πράξη σε πράξη μαζί με επιστολές από τη Νίκαια, όπου ήλπιζε να ολοκληρώσει τη θεραπεία. Δημοσιεύτηκε το 1945, η παρτιτούρα παρέμεινε αχρησιμοποίητη, αφού ο I. Ya. Sudakov κατάφερε να κυκλοφορήσει την παράσταση πριν το τέλος του έργου του Stanislavsky.

Στις αρχές της δεκαετίας του 1930, ο Στανισλάφσκι, χρησιμοποιώντας την εξουσία του και την υποστήριξη του Γκόρκι, που είχε επιστρέψει στην ΕΣΣΔ, έκανε αίτηση στην κυβέρνηση για να εξασφαλίσει μια ειδική θέση για το Θέατρο Τέχνης. Πήγαν προς το μέρος του. Τον Ιανουάριο του 1932, η συντομογραφία "ΕΣΣΔ" προστέθηκε στο όνομα του θεάτρου, εξισώνοντάς το με τα θέατρα Μπολσόι και Μάλι, τον Σεπτέμβριο του 1932 πήρε το όνομά του από τον Γκόρκι, - το θέατρο έγινε γνωστό ως Θέατρο Τέχνης της Μόσχας της ΕΣΣΔ. Γκόρκι. Το 1937 του απονεμήθηκε το Τάγμα του Λένιν, το 1938 - το Τάγμα του Κόκκινου Πανό της Εργασίας. Το 1933, το κτίριο του πρώην θεάτρου Korsh μεταφέρθηκε στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας για τη δημιουργία ενός κλάδου του θεάτρου.

Το 1935 άνοιξε το τελευταίο - το στούντιο όπερας και δράματος του K. S. Stanislavsky (τώρα το Δραματικό Θέατρο της Μόσχας που φέρει το όνομα του K. S. Stanislavsky) (μεταξύ των έργων - Άμλετ). Πρακτικά χωρίς να φύγει από το διαμέρισμά του στη Λεοντιέφσκι Λέιν, ο Στανισλάφσκι συναντήθηκε με τους ηθοποιούς στο σπίτι, μετατρέποντας τις πρόβες σε σχολή υποκριτικής σύμφωνα με τη μέθοδο των ψυχοσωματικών ενεργειών που ανέπτυσσε.

Συνεχίζοντας την ανάπτυξη του «συστήματος», ακολουθώντας το βιβλίο «My Life in Art» (αμερικανική έκδοση - 1924, ρωσικά - 1926), ο Stanislavsky κατάφερε να στείλει τον πρώτο τόμο του «The Actor's Work on Hemself» (εκδόθηκε το 1938, μεταθανάτια ) για εκτύπωση.

Ο Στανισλάφσκι πέθανε στις 7 Αυγούστου 1938 στη Μόσχα. Μια αυτοψία έδειξε ότι είχε ένα σωρό ασθένειες: μια διευρυμένη, ανεπάρκεια καρδιάς, εμφύσημα, ανευρύσματα - συνέπεια μιας σοβαρής καρδιακής προσβολής το 1928. " Έντονες αρτηριοσκληρωτικές αλλαγές βρέθηκαν σε όλα τα αγγεία του σώματος, με εξαίρεση τον εγκέφαλο, που δεν υπέκυψε σε αυτή τη διαδικασία."- αυτό ήταν το συμπέρασμα των γιατρών [ απροσδιόριστη πηγή 784 ​​ημέρες] . Κηδεύτηκε στις 9 Αυγούστου στο νεκροταφείο Novodevichy.

25. Δημιουργικότητα του V.E. Meyerhold.

Vsevolod Emilievich Meyerhold(Το πραγματικό του όνομα - Karl Casimir Theodor Mayergold(Γερμανός Karl Kasimir Theodor Meyergold) 28 Ιανουαρίου (9 Φεβρουαρίου), 1874, Πένζα - 2 Φεβρουαρίου 1940, Μόσχα) - Ρώσος σοβιετικός σκηνοθέτης, ηθοποιός και δάσκαλος. Θεωρητικός και ασκητής του θεατρικού γκροτέσκου, συγγραφέας του προγράμματος Theatre October και δημιουργός του συστήματος υποκριτικής, που ονομάζεται «βιομηχανική». Λαϊκός καλλιτέχνης της RSFSR (1923).

Βιογραφία[Επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

Ο Karl Casimir Theodor Mayergold ήταν το όγδοο παιδί της οικογένειας των γερμανοποιημένων Λουθηρανών Εβραίων του οινοποιού Emil Fedorovich Mayergold (π. 1892) και της συζύγου του Alvina Danilovna (neeze Neeze). Το 1895 αποφοίτησε από το Γυμνάσιο Penza και εισήλθε στη Νομική Σχολή του Πανεπιστημίου της Μόσχας. Την ίδια χρονιά, όταν έφτασε στην ηλικία των 21 ετών, ο Μέγιερχολντ ασπάστηκε την Ορθοδοξία και άλλαξε το όνομά του σε Vsevolod- προς τιμήν του αγαπημένου συγγραφέα V. M. Garshin.

Το 1896, μετακόμισε στο 2ο έτος της Θεατρικής και Μουσικής Σχολής της Φιλαρμονικής Εταιρείας της Μόσχας στην τάξη του Βλ. Ι. Νεμίροβιτς-Νταντσένκο.

Το 1898, ο Vsevolod Meyerhold αποφοίτησε από το κολέγιο και, μαζί με άλλους απόφοιτους (O. L. Knipper, I. M. Moskvin), εντάχθηκε στον θίασο του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας που δημιουργήθηκε. Στο έργο "Τσάρος Φιόντορ Ιωάννοβιτς", που άνοιξε το Δημόσιο Θέατρο Τέχνης στις 14 Οκτωβρίου 1898, έπαιξε ο Βασίλι Σούισκι.

Το 1902, ο Meyerhold άφησε το Θέατρο Τέχνης με μια ομάδα ηθοποιών και ξεκίνησε μια ανεξάρτητη σκηνοθετική δραστηριότητα, επικεφαλής ενός θιάσου στο Kherson μαζί με τον A. S. Kosheverov. Από τη δεύτερη σεζόν, μετά την αποχώρηση του Kosheverov, ο θίασος έλαβε το όνομα "New Drama Partnership". Το 1902-1905 ανέβηκαν περίπου 200 παραστάσεις.

Τον Μάιο του 1905, ο Konstantin Stanislavsky τον κάλεσε να προετοιμάσει τις παραστάσεις The Death of Tentagil του M. Maeterlinck, The Comedy of Love των G. Ibsen και Shlyuk and Yau του G. Hauptmann για το Studio Theatre, τις οποίες σχεδίαζε να ανοίξει στην οδό Povarskaya. στη Μόσχα. Ωστόσο, το Studio δεν υπήρχε για πολύ: όπως αποδείχθηκε, ο Stanislavsky και ο Meyerhold κατάλαβαν το σκοπό του με διαφορετικούς τρόπους. Έχοντας παρακολουθήσει τις παραστάσεις που ανέβασε ο Μέγιερχολντ, ο Στανισλάφσκι δεν θεώρησε δυνατό να τις κυκλοφορήσει στο κοινό. Χρόνια αργότερα, στο βιβλίο «Η ζωή μου στην τέχνη», σχετικά με τα πειράματα του Μέγιερχολντ, έγραψε: «Ένας ταλαντούχος σκηνοθέτης προσπάθησε να κρύψει τους καλλιτέχνες με τον εαυτό του, που στα χέρια του ήταν απλός πηλός για να σμιλεύει όμορφες ομάδες, μίζα-σκηνές, με τη βοήθεια του οποίου πραγματοποίησε τη δική του ενδιαφέρουσες ιδέες. Αλλά ελλείψει καλλιτεχνικής τεχνικής μεταξύ των ηθοποιών, μπορούσε μόνο να επιδείξει τις ιδέες, τις αρχές, τις αναζητήσεις του, αλλά δεν υπήρχε τίποτα για να τις εφαρμόσει, κανείς με τον οποίο, και επομένως οι ενδιαφέρουσες ιδέες του στούντιο μετατράπηκαν σε μια αφηρημένη θεωρία, σε μια επιστημονική τύπος. Τον Οκτώβριο του 1905 το Studio έκλεισε και ο Meyerhold επέστρεψε στις επαρχίες.

Το 1906, προσκλήθηκε από τη V. F. Komissarzhevskaya στην Αγία Πετρούπολη ως επικεφαλής σκηνοθέτης του δικού της Δραματικού Θεάτρου. Σε μια σεζόν, ο Meyerhold παρήγαγε 13 παραστάσεις, μεταξύ των οποίων: «Hedda Gabler» του G. Ibsen, «Sister Beatrice» του M. Maeterlinck, «Public Show» του A. Blok, «The Life of a Man» του L. N. Andreev.

Αυτοκρατορικά θέατρα[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

Διευθυντής των Αυτοκρατορικών Θεάτρων.

Το 1910, στο Terijoki, ο Meyerhold ανέβασε μια παράσταση βασισμένη στο έργο του Ισπανού θεατρικού συγγραφέα του 17ου αιώνα Calderon Adoration of the Cross. Ο σκηνοθέτης και οι ηθοποιοί αναζητούσαν εδώ και καιρό ένα κατάλληλο μέρος στη φύση. Βρέθηκε στο κτήμα του συγγραφέα M.V. Krestovskaya στο Molodyozhny (τελ. Μετσάκυλα). Υπήρχε ένας όμορφος κήπος εδώ, μια μεγάλη σκάλα κατέβαινε από τη ντάτσα στον Κόλπο της Φινλανδίας - μια πλατφόρμα σκηνής. Η παράσταση, σύμφωνα με το σχέδιο, επρόκειτο να συνεχιστεί τη νύχτα, «υπό το φως των αναμμένων πυρσών, με ένα τεράστιο πλήθος όλου του γύρω πληθυσμού». Στο θέατρο Αλεξανδρίνσκι ανέβασε Στις βασιλικές πόρτες του Κ. Χάμσουν (1908), Τζεστέρ Τάντρις του Ε. Χαρτ, Ντον Τζιοβάνι του Μολιέρου (1910), Στα μισά του Πινέρο (1914), Το πράσινο δαχτυλίδι του Ζ. Γκίπιους, «Η Σταθερός Πρίγκιπας» του Καλντερόν (1915), «Καταιγίδα» του Α. Οστρόφσκι (1916), «Μασκαράδα» του Μ. Λέρμοντοφ (1917). Το 1911 ανέβασε την όπερα του Γκλουκ «Ορφέας και η Ευρυδίκη» στο θέατρο Μαριίνσκι (καλλιτέχνης - Golovin, χορογράφος - Fokin).

Μετά την επανάσταση[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

B. Grigoriev. Πορτρέτο του V. Meyerhold, 1916

Μέλος του Μπολσεβίκικου Κόμματος από το 1918. Εργάστηκε στον Theo Narkompros.

Μετά την Οκτωβριανή Επανάσταση ανέβασε το Mystery Buff του Β. Μαγιακόφσκι στην Πετρούπολη (1918). Από τον Μάιο του 1919 έως τον Αύγουστο του 1920 βρισκόταν στην Κριμαία και τον Καύκασο, όπου γνώρισε αρκετές αλλαγές εξουσίας, συνελήφθη από λευκή αντικατασκοπεία. Από τον Σεπτέμβριο του 1920 έως τον Φεβρουάριο του 1921 - επικεφαλής του ΤΕΟ. Το 1921 ανέβασε στη Μόσχα τη δεύτερη έκδοση του ίδιου έργου. Τον Μάρτιο του 1918, στο καφέ «Red Rooster», που άνοιξε στο πρώην San Galli Passage, ο Meyerhold ανέβασε το έργο του A. Blok «The Stranger». Το 1920 πρότεινε και στη συνέχεια υλοποίησε ενεργά το πρόγραμμα «Θεατρικός Οκτώβρης» στη θεωρία και την πράξη του θεάτρου.

Το 1918, η διδασκαλία της εμβιομηχανικής ως θεωρίας των κινήσεων εισήχθη στα μαθήματα Stage Performance στην Πετρούπολη. το 1921 ο Meyerhold χρησιμοποιεί τον όρο για την πρακτική της σκηνικής κίνησης.

GosTeam[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

Κύριο άρθρο:Κρατικό Θέατρο με το όνομα Vs. Meyerhold

Κρατικό Θέατρο με το όνομα Vs. Ο Meyerhold (GosTiM) δημιουργήθηκε στη Μόσχα το 1920, αρχικά με το όνομα "Θέατρο της RSFSR-I", στη συνέχεια από το 1922 ονομάστηκε "Θέατρο του Ηθοποιού" και Θέατρο GITIS, από το 1923 - Θέατρο Meyerhold (TiM). το 1926 δόθηκε στο θέατρο η ιδιότητα του κρατικού θεάτρου.

Το 1922-1924, ο Μάγιερχολντ, παράλληλα με τη συγκρότηση του θεάτρου του, σκηνοθέτησε το Θέατρο της Επανάστασης.

Το 1928, το GosTiM ήταν σχεδόν κλειστό: έχοντας πάει στο εξωτερικό με τη σύζυγό του για θεραπεία και διαπραγματεύσεις σχετικά με την περιοδεία του θεάτρου, ο Meyerhold έμεινε στη Γαλλία και δεδομένου ότι ταυτόχρονα ο Μιχαήλ Τσέχοφ, ο οποίος ήταν επικεφαλής του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας εκείνη την εποχή, δεν επέστρεψε. από ταξίδια στο εξωτερικό 2ος, και επικεφαλής του GOSET Alexei Granovsky, ο Meyerhold ήταν επίσης ύποπτος για απροθυμία να επιστρέψει. Αλλά δεν επρόκειτο να μεταναστεύσει και επέστρεψε στη Μόσχα πριν προλάβει η επιτροπή εκκαθάρισης να διαλύσει το θέατρο.

Το 1930, ο GosTiM περιόδευσε με επιτυχία στο εξωτερικό - ο Μιχαήλ Τσέχοφ, ο οποίος συνάντησε τον Μέγιερχολντ στο Βερολίνο, είπε στα απομνημονεύματά του: «Προσπάθησα να του μεταφέρω τα συναισθήματά μου, μάλλον τα προαισθήματά του, για το τρομερό τέλος του αν επιστρέψει στο Σοβιετική Ένωση. Άκουγε σιωπηλός, ήρεμα και λυπημένα μου απάντησε έτσι (δεν θυμάμαι τα ακριβή λόγια): από τα σχολικά μου χρόνια κουβαλούσα στην ψυχή μου την Επανάσταση και πάντα στις ακραίες, μαξιμαλιστικές μορφές της. Ξέρω ότι έχεις δίκιο - το τέλος μου θα είναι όπως λες. Αλλά θα επιστρέψω στη Σοβιετική Ένωση. Στην ερώτησή μου - γιατί; - απάντησε: από ειλικρίνεια.

Το 1934, το έργο «Η κυρία των καμέλιων», στο οποίο ο Ράιχ έπαιζε τον κύριο ρόλο, παρακολουθήθηκε από τον Στάλιν και δεν του άρεσε η παράσταση. Η κριτική έπεσε στον Meyerhold με κατηγορίες για αισθητισμό. Η Zinaida Reich έγραψε ένα γράμμα στον Στάλιν λέγοντας ότι δεν καταλαβαίνει την τέχνη.

Στις 8 Ιανουαρίου 1938 το θέατρο έκλεισε. Διάταγμα της Επιτροπής Τεχνών υπό το Συμβούλιο των Λαϊκών Επιτρόπων της ΕΣΣΔ «Σχετικά με την εκκαθάριση του Θεάτρου. Ήλιος. Meyerhold» δημοσιεύτηκε στην εφημερίδα «Pravda» στις 8 Ιανουαρίου 1938. Τον Μάιο του 1938, ο Κ. Σ. Στανισλάφσκι πρόσφερε στον Μέγιερχολντ, που έμεινε χωρίς δουλειά, τη θέση του σκηνοθέτη στο θέατρο όπερας που διηύθυνε ο ίδιος. Μετά το θάνατο του K. S. Stanislavsky, ο Meyerhold έγινε ο επικεφαλής σκηνοθέτης του θεάτρου. Συνέχισε την εργασία στην όπερα "Rigoletto".

Σύλληψη και θάνατος[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

Φωτογραφία του NKVD μετά τη σύλληψη

Στις 20 Ιουνίου 1939, ο Meyerhold συνελήφθη στο Λένινγκραντ. την ίδια ώρα πραγματοποιήθηκε έρευνα στο διαμέρισμά του στη Μόσχα. Το πρωτόκολλο έρευνας κατέγραψε μια καταγγελία από τη σύζυγό του Zinaida Reich, η οποία διαμαρτυρήθηκε για τις μεθόδους ενός από τους πράκτορες της NKVD. Σύντομα (15 Ιουλίου) σκοτώθηκε από άγνωστα άτομα.

Μετά τρεις εβδομάδεςανακρίσεις, συνοδευόμενες από βασανιστήρια, ο Meyerhold υπέγραψε τη μαρτυρία που ήταν απαραίτητη για την έρευνα: κατηγορήθηκε σύμφωνα με το άρθρο 58 του Ποινικού Κώδικα της RSFSR. Τον Ιανουάριο του 1940, ο Meyerhold έγραψε στον V. Μ. Μολότοφ:

... Με χτύπησαν εδώ - έναν άρρωστο εξήντα έξι χρονών, με ξάπλωσαν μπρούμυτα στο πάτωμα, με χτύπησαν με ένα λαστιχένιο τουρνικέ στις φτέρνες και στην πλάτη μου, όταν καθόμουν σε μια καρέκλα, με χτύπησαν με το ίδιο λάστιχο στα πόδια μου […] ο πόνος ήταν τέτοιος που φαινόταν ότι στα επώδυνα ευαίσθητα σημεία των ποδιών έριξε βραστό νερό ...

Η συνεδρίαση του Στρατιωτικού Κολεγίου του Ανωτάτου Δικαστηρίου της ΕΣΣΔ πραγματοποιήθηκε την 1η Φεβρουαρίου 1940. Το συμβούλιο καταδίκασε τον διευθυντή σε θάνατο. Στις 2 Φεβρουαρίου 1940 η ποινή εκτελέστηκε. Το περιοδικό Teatral γράφει για τον τόπο ταφής του Meyerhold: «Η εγγονή του Vs. Η E. Meyerhold Maria Alekseevna Valentey το 1956, έχοντας επιτύχει την πολιτική του αποκατάσταση, αλλά μη γνωρίζοντας τότε πώς και πότε πέθανε ο παππούς της, εγκατέστησε στον τάφο της Zinaida Nikolaevna Reich, στο νεκροταφείο Vagankovsky, ένα κοινό μνημείο - της ηθοποιός και η αγαπημένη της σύζυγος, και σε αυτόν. Το μνημείο είναι χαραγμένο με ένα πορτρέτο του Meyerhold και την επιγραφή: «Στον Vsevolod Emilievich Meyerhold και τη Zinaida Nikolaevna Reich».<…>Το 1987, ενημερώθηκε επίσης για τον αληθινό τόπο ταφής του Meyerhold - "Κοινός τάφος Νο. 1. Ταφή αζήτητης τέφρας από το 1930 - 1942 συμπεριλαμβανομένου" στο νεκροταφείο του κρεματόριου της Μόσχας κοντά στη Μονή Donskoy. (Σύμφωνα με την απόφαση του Πολιτικού Γραφείου της 17ης Ιανουαρίου 1940 Αρ. ΙΙ 11/208, που υπογράφηκε προσωπικά από τον Στάλιν, πυροβολήθηκαν 346 άτομα. Τα σώματά τους αποτεφρώθηκαν και οι στάχτες που χύθηκαν σε κοινό τάφο αναμίχθηκαν με τις στάχτες άλλων νεκρός.)».

Το 1955, το Ανώτατο Δικαστήριο της ΕΣΣΔ αποκατέστησε μετά θάνατον τον Meyerhold.

Οικογένεια[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

• Από το 1896 είναι παντρεμένος με την Olga Mikhailovna Mundt (1874-1940):
• Η Μαρία (1897-1929), παντρεύτηκε τον Εβγένι Στανισλάβοβιτς Μπελέτσκι.
• Η Τατιάνα (1902-1986), παντρεύτηκε τον Alexei Petrovich Vorobyov.
• Η Irina (1905-1981), παντρεύτηκε τον Vasily Vasilyevich Merkuriev.
• Ο γιος της Irina και του V.V. Merkuriev - Pyotr Vasilyevich Merkuriev (έπαιξε το ρόλο του Meyerhold στην ταινία " Είμαι ηθοποιός", 1980, και στην τηλεοπτική σειρά" Γεσένιν», (2005).
• Από το 1922 είναι παντρεμένος με τη Zinaida Nikolaevna Reich (1894-1939), στον πρώτο της γάμο ήταν παντρεμένη με τον Sergei Yesenin.

Το 1928-1939 ο Meyerhold έζησε στο λεγόμενο "House of Artists" στη Μόσχα, ο Bryusov per., 7. Τώρα υπάρχει ένα μουσείο στο διαμέρισμά του

Δημιουργικότητα[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

Θεατρικό έργο[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

Ηθοποιία[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

• 1898 - «Τσάρος Φιοντόρ Ιωάννοβιτς» του Α. Κ. Τολστόι. Οι σκηνοθέτες K. S. Stanislavsky και Vl. Ι. Νεμίροβιτς-Νταντσένκο - Βασίλι Σούισκι
• 1898 - " Ο Έμπορος της Βενετίας» W. Shakespeare - Πρίγκιπας της Αραγονίας
• 1898 - «Ο Γλάρος» του Α.Π. Τσέχοφ. Οι σκηνοθέτες K. S. Stanislavsky και Vl. Ι. Νεμίροβιτς-Νταντσένκο - Τρέπλεφ
• 1899 - «Ο θάνατος του Ιβάν του Τρομερού» του Α. Κ. Τολστόι. Οι σκηνοθέτες K. S. Stanislavsky και Vl. Ι. Νεμίροβιτς-Νταντσένκο - Ιβάν ο Τρομερός
• 1899 - Αντιγόνη του Σοφοκλή - Τειρεσίας
• 1899 - «Μόνος» του G. Hauptmann. Οι σκηνοθέτες K. S. Stanislavsky και Vl. Ι. Νεμίροβιτς-Νταντσένκο - Γιοχάνες
• 1901 - "Three Sisters" του A.P. Chekhov. Οι σκηνοθέτες K. S. Stanislavsky και Vl. Ι. Νεμίροβιτς-Νταντσένκο - Τούζενμπαχ
• 1907 "Balaganchik" A. Blok - Πιερότος

του σκηνοθέτη[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

• 1907 - «Balaganchik» του A. Blok
• 1918 - «Mystery-Buff» του Β. Μαγιακόφσκι

Θέατρο RSFSR-1 (Θέατρο Ηθοποιών, Θέατρο GITIS)

• 1920 - «Ξημερώματα» του Ε. Βέρχαρν (μαζί με τον Β. Μεμπούτοφ). Καλλιτέχνης V. Dmitriev
• 1921 - «Ένωση Νέων» Γ. Ίψεν
• 1921 - "Mystery-buff" του V. Mayakovsky (δεύτερη έκδοση, μαζί με τον V. Bebutov)
• 1922 - «Νόρα» του Γ. Ίψεν
• 1922 - «Ο μεγαλόψυχος κούκλας» του Φ. Κρόμελινκ. Οι καλλιτέχνες L. S. Popova και V. V. Lutse
• 1922 - «Ο θάνατος του Ταρέλκιν» του Α. Σούχοβο-Κόμπυλιν. Διευθυντής Σ. Αϊζενστάιν

Tim (GosTim)

• 1923 - «The Earth on End» των Martin και S. M. Tretyakov. Καλλιτέχνης L. S. Popova
• 1924 - «Δ. ΜΙ." Ο Podgaetsky κατά τον I. Ehrenburg. Καλλιτέχνες I. Shlepyanov, V. F. Fedorov
• 1924 - «Δάσκαλος Μπούμπους» Α. Φάικο; σκηνοθέτης Κυρ. Meyerhold, καλλιτέχνης I. Shlepyanov
• 1924 - «Δάσος» του A. N. Ostrovsky. Καλλιτέχνης V. Fedorov.
• 1925 - «Εντολή» Ν. Έρντμαν. Καλλιτέχνες I. Shlepyanov, P. V. Williams
• 1926 - Ο Γενικός Επιθεωρητής του Ν. Γκόγκολ. Καλλιτέχνες V. V. Dmitriev, V. P. Kiselev, V. E. Meyerhold, I. Yu. Shlepyanov.
• 1926 - "Roars, China" του S. M. Tretyakov (μαζί με τον διευθυντή του εργαστηρίου V. F. Fedorov). Καλλιτέχνης S. M. Efimenko
• 1927 - "Παράθυρο στο χωριό" R. M. Akulshin. Καλλιτέχνης V. A. Shestakov
• 1928 - "Αλίμονο στο μυαλό" βασισμένο στην κωμωδία του A. S. Griboyedov "Woe from Wit". Καλλιτέχνης N. P. Ulyanov; συνθέτης B. V. Asafiev.
• 1929 - «Ο κοριός» του Β. Μαγιακόφσκι. Καλλιτέχνες Kukryniksy, A. M. Rodchenko; συνθέτης - D. D. Shostakovich.
• 1929 - "Commander-2" του I. L. Selvinsky. Καλλιτέχνης V. V. Pochitalov; σκηνογραφία S. E. Vakhtangov.
• 1930 - «Πυροβολισμός» του A. I. Bezymensky. Οι σκηνοθέτες V. Zaichikov, S. Kezikov, A. Nesterov, F. Bondarenko, υπό τη διεύθυνση του Vs. Meyerhold; καλλιτέχνες V. V. Kalinin, L. N. Pavlov
• 1930 - «Λουτρό» του Β. Μαγιακόφσκι. Καλλιτέχνης A. A. Deineka; σκηνογραφία S. E. Vakhtangov; συνθέτης V. Shebalin.
• 1931 - «Ο τελευταίος καθοριστικός» Κυρ. Β. Βισνέφσκι. Σχεδιασμός S. E. Vakhtangov
• 1931 - «Κατάλογος καλών πράξεων» του Y. Olesha. Καλλιτέχνες K. K. Savitsky, V. E. Meyerhold, I. Leystikov
• 1933 - «Εισαγωγή» του Yu. P. German. Καλλιτέχνης I. Leystikov
• 1933 - «Ο Γάμος του Κρετσίνσκι» του A. V. Sukhovo-Kobylin. Καλλιτέχνης V. A. Shestakov.
• 1934 - «Η Κυρία με τις Καμέλιες» του γιου του Α. Δουμά. Καλλιτέχνης I. Leystikov
• 1935 - «33 λιποθυμίες» (βασισμένο στο βοντβίλ «Πρόταση», «Αρκούδα» και «Ιωβηλαίο» του Α.Π. Τσέχοφ). Καλλιτέχνης V. A. Shestakov

Σε άλλα θέατρα

• 1923 - «Λίμνη Λιούλ» Α. Φάικο - Θέατρο Επανάστασης
• 1933 - «Δον Ζουάν» του Μολιέρου - Κρατικό Δραματικό Θέατρο Λένινγκραντ

Φιλμογραφία[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

• "The Picture of Dorian Gray" (1915) - σκηνοθέτης, σεναριογράφος, ερμηνευτής του ρόλου Λόρδος Χένρι
• "Strong Man" (1917) - σκηνοθέτης
• "White Eagle" (1928) - αξιωματούχος

Κληρονομιά[επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

Μνημείο του Meyerhold στην Penza (1999)

Ακριβής ημερομηνίαΟ θάνατος του Vsevolod Meyerhold έγινε γνωστός μόνο τον Φεβρουάριο του 1988, όταν η KGB της ΕΣΣΔ επέτρεψε στην εγγονή του σκηνοθέτη Maria Alekseevna Valentey (1924-2003) να εξοικειωθεί με την «υπόθεσή» του. Στις 2 Φεβρουαρίου 1990, γιορτάστηκε για πρώτη φορά η ημέρα του θανάτου του Meyerhold.

Αμέσως μετά την επίσημη αποκατάσταση του Vs. Meyerhold, το 1955, δημιουργήθηκε η Επιτροπή για τη δημιουργική κληρονομιά του σκηνοθέτη. Από τη στιγμή της ίδρυσης έως το 2003, ο M.A. Valentei-Meyerhold ήταν ο μόνιμος επιστημονικός γραμματέας της Επιτροπής. προήδρευσε της Επιτροπής Κληρονομιάς στο διαφορετικά χρόνια Pavel Markov (1955-1980), Sergei Yutkevich (1983-1985), Mikhail Tsarev (1985-1987), V. N. Pluchek (1987-1988). Από το 1988, ο σκηνοθέτης Valery Fokin είναι ο πρόεδρος της Επιτροπής.

Στα τέλη του 1988, αποφασίστηκε να δημιουργηθεί ένα μνημείο Μουσείο-διαμέρισμα στη Μόσχα - ένα παράρτημα του Θεατρικού Μουσείου. A. A. Bakhrushina

Από τις 25 Φεβρουαρίου 1989 στο Θέατρο. Η M. N. Yermolova, της οποίας την εποχή εκείνη ήταν επικεφαλής ο Valery Fokin, διοργάνωσε βραδιές στη μνήμη του Meyerhold.

Το 1991, με πρωτοβουλία της Επιτροπής Κληρονομιάς και με την υποστήριξη της Ένωσης Εργαζομένων Θεάτρου της Ρωσίας, με βάση την Πανρωσική Ένωση "Δημιουργικά Εργαστήρια" που ιδρύθηκε το 1987, το Κέντρο που ονομάστηκε από τον Vs. Meyerhold (CIM). Το Κέντρο ασχολείται με επιστημονικές και εκπαιδευτικές δραστηριότητες. σε περισσότερες από δύο δεκαετίες ύπαρξής του, έχει γίνει ένας παραδοσιακός χώρος διεθνών φεστιβάλ και του εθνικού φεστιβάλ Golden Mask, πλατφόρμα για περιοδείες στις καλύτερες ευρωπαϊκές και ρωσικές παραστάσεις.

Μνήμη[Επεξεργασία | επεξεργασία κειμένου wiki]

• Στην Penza, στις 24 Φεβρουαρίου 1984, άνοιξε το Κέντρο Θεατρικών Τεχνών "Meyerhold's House" (σκηνοθέτης Natalia Arkadyevna Kugel), στο οποίο λειτουργεί το Θέατρο του Doctor Dapertutto από το 2003.
• Το 1999, ένα μνημείο του V. E. Meyerhold αποκαλύφθηκε στην Penza.
• Προς τιμήν της 140ης επετείου από τη γέννηση του V.I. Meyerhold στην Αγία Πετρούπολη στο δρόμο. Borodinskaya 6, 10 Φεβρουαρίου 2014 αποκαλύφθηκε μια αναμνηστική πλακέτα στην αίθουσα όπου εργαζόταν ο Meyerhold [ απροσδιόριστη πηγή 366 ημέρες] .

1. Σύντομα βιογραφικά στοιχεία.
2. Τα πιο διάσημα έργα του Οστρόφσκι. χαρακτήρες και συγκρούσεις.
3. Η αξία του έργου του Οστρόφσκι.

Ο μελλοντικός θεατρικός συγγραφέας A. N. Ostrovsky γεννήθηκε το 1823. Ο πατέρας του υπηρετούσε στο δικαστήριο της πόλης. Ο Οστρόφσκι έχασε τη μητέρα του σε ηλικία οκτώ ετών. Ο πατέρας παντρεύτηκε για δεύτερη φορά. Αφημένο στον εαυτό του, το αγόρι άρχισε να ενδιαφέρεται για το διάβασμα. Μετά την αποφοίτησή του από το γυμνάσιο, ο A. N. Ostrovsky σπούδασε για αρκετά χρόνια στη Νομική Σχολή του Πανεπιστημίου της Μόσχας και στη συνέχεια υπηρέτησε στο δικαστικό σώμα. Ας σημειωθεί ότι η επαγγελματική εμπειρία που αποκτήθηκε έπαιξε μεγάλο ρόλο στο μετέπειτα λογοτεχνικό έργο του Οστρόφσκι. Η βαθιά γνώση της λαϊκής ζωής, που συναντάμε στα έργα του Οστρόφσκι, συνδέεται με τις παιδικές εντυπώσεις. Προφανώς, ο θεατρικός συγγραφέας χρωστάει πολλά στην ανύπαντρη σύζυγό του, Agafya Ivanovna, με την οποία έγινε φίλος στα μέσα της δεκαετίας του 1950, με τη διεύρυνση των ιδεών για τη ζωή των Μοσχοβιτών. Μετά τον θάνατό της, ο Οστρόφσκι ξαναπαντρεύτηκε (1869).

Ο Οστρόφσκι κατά τη διάρκεια της ζωής του πέτυχε όχι μόνο φήμη, αλλά και υλική ευημερία. Το 1884 διορίστηκε επικεφαλής του ρεπερτορίου των θεάτρων της Μόσχας. Ο A. N. Ostrovsky πέθανε το 1886 στο κτήμα του Shchelykovo. Ωστόσο, το ενδιαφέρον για τα έργα του Οστρόφσκι δεν έσβησε μετά το θάνατό του. Και μέχρι τώρα, πολλά από τα έργα του παίζονται με επιτυχία στις σκηνές των ρωσικών θεάτρων.

Ποιο είναι το μυστικό της δημοτικότητας των έργων του Οστρόφσκι; Πιθανώς, στο γεγονός ότι οι χαρακτήρες των ηρώων του, παρά το χρώμα μιας συγκεκριμένης εποχής, παραμένουν ανά πάσα στιγμή σύγχρονοι στη βάση τους, στη βαθύτερη ουσία τους. Ας το δούμε αυτό με παραδείγματα.

Ένα από τα πρώτα έργα που έφεραν μεγάλη δημοτικότητα στον Οστρόφσκι είναι το έργο «Οι άνθρωποι μας - Ας τακτοποιηθούμε», το οποίο αρχικά ονομαζόταν «Πτώχευση». Όπως αναφέρθηκε ήδη, ο Ostrovsky υπηρετούσε κάποτε στο δικαστήριο. Η πλοκή του "Bankrut" αναπτύσσεται με βάση πραγματικές περιπτώσειςαπό τη δικαστική πρακτική: η απάτη του εμπόρου Μπολσόφ, που κήρυξε τον εαυτό του αφερέγγυο για να μην πληρώσει τα χρέη του, και η αμοιβαία απάτη του γαμπρού και της κόρης του, που αρνήθηκαν να εξαγοράσουν τον «τιατένκο» από την τρύπα του χρέους. Ο Οστρόφσκι σε αυτό το έργο δείχνει ξεκάθαρα την πατριαρχική ζωή και τα έθιμα των εμπόρων της Μόσχας: «Η μαμά έχει επτά Παρασκευές την εβδομάδα. Η θεία, αν όχι μεθυσμένη, είναι τόσο σιωπηλή, αλλά αν είναι μεθυσμένος, θα τον χτυπήσει, κοίτα. Ο θεατρικός συγγραφέας αποκαλύπτει μια βαθιά γνώση της ανθρώπινης ψυχολογίας: τα πορτρέτα του μικρού τυράννου Μπολσόφ, του απατεώνα Podkhalyuzin, της Lipochka, που φαντάζεται τον εαυτό της ως "μια μορφωμένη νεαρή κοπέλα" και άλλων χαρακτήρων είναι πολύ ρεαλιστικά και πειστικά.

Είναι σημαντικό να σημειωθεί ότι στο έργο "Οι άνθρωποι μας - Ας εγκατασταθούμε" ο Οστρόφσκι έθεσε ένα θέμα που έγινε εγκάρσιο για όλο το έργο του: αυτό είναι το θέμα της καταστροφής του παραδοσιακού πατριαρχικού τρόπου ζωής, μια αλλαγή στο η ουσία των ανθρώπινων σχέσεων, μια αλλαγή στις αξιακές προτεραιότητες. Το ενδιαφέρον για τη λαϊκή ζωή εκδηλώθηκε επίσης σε μια σειρά από έργα του Οστρόφσκι: "Μην κάθεσαι στο έλκηθρο σου", "Η φτώχεια δεν είναι κακία", "Μην ζεις όπως θέλεις".

Πρέπει να σημειωθεί ότι δεν έχουν όλα τα έργα του Οστρόφσκι εύλογο, ρεαλιστικό τέλος. Μια ευτυχής επίλυση της σύγκρουσης μερικές φορές φαίνεται σκόπιμη, όχι αρκετά αντίστοιχη με τους χαρακτήρες των χαρακτήρων, όπως, για παράδειγμα, στα έργα "Η φτώχεια δεν είναι βίτσιο", "Μήλα χύμα". Ωστόσο, τέτοια ουτοπικά «happy endings» δεν μειώνουν το υψηλό καλλιτεχνικό επίπεδο των έργων του Ostrovsky. Ωστόσο, ένα από τα πιο διάσημα έργα του Ostrovsky ήταν το δράμα "Thunderstorm", το οποίο μπορεί να ονομαστεί τραγωδία. Στην πραγματικότητα, αυτό το έργο είναι βαθιά τραγικό, όχι μόνο λόγω του θανάτου του πρωταγωνιστή στο φινάλε, αλλά και λόγω της αλυτότητας της σύγκρουσης που έδειξε ο Οστρόφσκι στο The Thunderstorm. Μπορεί μάλιστα να ειπωθεί ότι στο The Thunderstorm δεν υπάρχουν μία, αλλά δύο συγκρούσεις: ο ανταγωνισμός της Κατερίνας και της πεθεράς της Marfa Ignatievna (Kabanikha), καθώς και η εσωτερική σύγκρουση της Κατερίνας. Συνήθως, οι κριτικοί λογοτεχνίας, ακολουθώντας τον N. A. Dobrolyubov, αποκαλούν την Κατερίνα «μια ακτίνα φωτός στο σκοτεινό βασίλειο», αντιπαραβάλλοντάς την με την Kabanikha και άλλους ήρωες του έργου. Αναμφίβολα, υπάρχουν άξια προσόντα στον χαρακτήρα της Κατερίνας. Ωστόσο, αυτές οι ιδιότητες γίνονται η αιτία της εσωτερικής σύγκρουσης της ηρωίδας του Ostrovsky. Η Κατερίνα δεν μπορεί να παραιτηθεί από τη μοίρα της, περιμένοντας υπομονετικά τη στιγμή που θα μπορούσε να γίνει η δεύτερη Kabaniha και να αφήσει ελεύθερο τον χαρακτήρα της, ούτε να απολαύσει μυστικές συναντήσεις με τον αγαπημένο της, δείχνοντας εξωτερικά ένα πρότυπο υπακοής στον σύζυγο και τη μητέρα της -συμπέθερος. κύριος χαρακτήραςΤο "Thunderstorms" παραδίδεται στο συναίσθημά του. όμως μέσα της το θεωρεί αυτό αμαρτία και βασανίζεται από τύψεις. Η Κατερίνα δεν έχει τη δύναμη να αποφύγει ένα βήμα που η ίδια θεωρεί αμαρτωλό, αλλά η οικειοθελής ομολογία της κακίας της στα μάτια της πεθεράς της δεν μειώνει καθόλου τις ενοχές της.

Είναι όμως τόσο διαφορετικοί οι χαρακτήρες της Κατερίνας και της πεθεράς της; Ο Kabanikha, φυσικά, είναι ένας τύπος πλήρους τυράννου που, παρά την επιδεικτική ευσέβεια, αναγνωρίζει μόνο τη δική του θέληση. Ωστόσο, μπορεί να πει κανείς για την Κατερίνα ότι στις πράξεις της δεν λαμβάνει υπόψη της τίποτα - ούτε με ευπρέπεια, ούτε με σύνεση, ούτε καν με τους νόμους της θρησκείας. «Ω, Βάρυα, δεν ξέρεις τον χαρακτήρα μου! Φυσικά, ο Θεός να μην συμβεί αυτό! Και αν το αρρωστήσω εδώ, δεν θα με κρατήσουν πίσω με καμία δύναμη», παραδέχεται ειλικρινά στην αδελφή του συζύγου της. Η βασική διαφορά της Κατερίνας είναι ότι δεν θέλει να κρύψει τις πράξεις της. «Είσαι κάπως δύσκολος, ο Θεός να σε έχει καλά! Αλλά κατά τη γνώμη μου: κάνε ό,τι θέλεις, αν ήταν ραμμένο και σκεπασμένο», ξαφνιάζεται η Βαρβάρα. Αλλά είναι απίθανο να το σκέφτηκε η ίδια η κοπέλα. Προφανώς αυτή την κοσμική «σοφία» την έπιασε στην υποκριτική ατμόσφαιρα του σπιτιού της μητέρας της. Το θέμα της κατάρρευσης του παραδοσιακού τρόπου ζωής στο The Thunderstorm ακούγεται ιδιαίτερα έντονο - τόσο στα δυσοίωνα προαισθήματα της Κατερίνας όσο και στους μελαγχολικούς αναστεναγμούς του Kabanikh, αφιερωμένοι στους απερχόμενους «παλιούς καιρούς», όσο και στις τρομερές προφητείες του τρελή κυρία, και στις ζοφερές ιστορίες του περιπλανώμενου Feklusha για το τέλος του κόσμου που πλησιάζει. Η αυτοκτονία της Κατερίνας είναι επίσης μια εκδήλωση της κατάρρευσης των πατριαρχικών αξιών που πρόδωσε.

Το θέμα της κατάρρευσης των αξιών των «παλιών εποχών» σε πολλά από τα έργα του Οστρόφσκι διαθλάται στο θέμα του καριερισμού και της απληστίας. Ο ήρωας του έργου «Enough Stupidity for Every Wise Man», ο πανούργος κυνικός Glumov, είναι ακόμη και γοητευτικός με τον δικό του τρόπο. Επιπλέον, δεν μπορεί κανείς να μην αναγνωρίσει την εξυπνάδα και την εφευρετικότητά του, κάτι που φυσικά θα τον βοηθήσει να ξεφύγει από τη δυσάρεστη κατάσταση που έχει δημιουργηθεί ως αποτέλεσμα της έκθεσης των μηχανορραφιών του. Εικόνες συνετών επιχειρηματιών βρίσκονται περισσότερες από μία φορές στα έργα του Ostrovsky. Αυτός είναι ο Vasilkov από το Mad Money και ο Berkutov από τους Wolves and Sheep.

Στο έργο «Το δάσος» ακούγεται και πάλι το θέμα της παρακμής, όχι όμως ο πατριαρχικός εμπορικός τρόπος ζωής, αλλά η σταδιακή καταστροφή των θεμελίων της ζωής των ευγενών. Βλέπουμε τον ευγενή Gurmyzhsky στην εικόνα του επαρχιακού τραγικού Neschastlivtsev και η θεία του, αντί να φροντίσει για τη μοίρα του ανιψιού και της ανιψιάς της, ξοδεύει αλόγιστα χρήματα για το θέμα του όψιμου έρωτά της.

Θα πρέπει να σημειωθούν τα έργα του Οστρόφσκι, τα οποία δικαίως μπορούν να ονομαστούν ψυχολογικά δράματα, για παράδειγμα, "Προίκα", "Ταλέντα και θαυμαστές", "Ένοχοι χωρίς ενοχές". Οι χαρακτήρες αυτών των έργων είναι διφορούμενες, πολύπλευρες προσωπικότητες. Για παράδειγμα, ο Παράτοφ από την "Προίκα" είναι ένας λαμπρός κύριος, ένας κοσμικός άντρας που μπορεί εύκολα να γυρίσει το κεφάλι μιας ρομαντικής νεαρής κοπέλας, το "ιδανικό ενός άνδρα" στα μάτια της Λάρισας Ογκουντάλοβα, αλλά ταυτόχρονα είναι και ένας συνετός επιχειρηματίας και κυνικός για τον οποίο τίποτα δεν είναι ιερό: εμένα, Μόκι Παρμένιχ, δεν υπάρχει τίποτα αγαπημένο. Θα βρω κέρδος, οπότε θα πουλήσω τα πάντα, οτιδήποτε. Ο Καραντίσεφ, ο αρραβωνιαστικός της Λάρισας, δεν είναι απλώς ένας μικροαξιωματικός, ένα «ανθρωπάκι», ένα «άχυρο», που η Λάρισα προσπάθησε να πιάσει απελπισμένη, αλλά και ένα άτομο με οδυνηρά πληγωμένη περηφάνια. Και για την ίδια τη Λάρισα, μπορούμε να πούμε ότι είναι μια λεπτή, προικισμένη φύση, αλλά δεν ξέρει πώς να αξιολογεί νηφάλια τους ανθρώπους και να τους αντιμετωπίζει ήρεμα, πραγματιστικά.

Συμπερασματικά, πρέπει να σημειωθεί ότι ο Οστρόφσκι μπήκε σταθερά στη λογοτεχνία και τη σκηνική τέχνη ως συγγραφέας που έθεσε ρεαλιστικές παραδόσεις στο ρωσικό θέατρο, δεξιοτέχνης της καθημερινής και ψυχολογικής πεζογραφίας του 19ου αιώνα. Τα έργα του Columbus Zamoskvorechye, όπως αποκαλούνταν από τους κριτικούς Οστρόφσκι, έχουν γίνει από καιρό κλασικά της ρωσικής λογοτεχνίας και θεάτρου.

Δημιουργικές ιδέες του Α.Ν. Οστρόφσκι. Καραντίσεφ. Η συμβολική σημασία των ονομάτων και των επωνύμων. Ο σκοπός του μαθήματος. Με την πρώτη ματιά, τα δύο πρώτα φαινόμενα είναι έκθεση. Τι μαθαίνουμε για τον Παράτοφ. Συζήτηση για την εικόνα του L.I. Ογκουντάλοβα. Ανάλυση του δράματος «Προίκα». Συνήθως το όνομα των έργων του Οστρόφσκι είναι ρήσεις, παροιμίες. ΕΝΑ. Οστρόφσκι Δράμα «Προίκα». Χαρακτήρες. Παράτοφ Σεργκέι Σεργκέεβιτς.

"Το έργο του Οστρόφσκι" Καταιγίδα "" - Δώστε μια περιγραφή για το καθένα λογοτεχνικός ήρωας. Θύματα του «σκοτεινού βασιλείου». Κατερίνα. Τι ρόλο παίζει η σκηνή της καταιγίδας στο έργο; Διαβάστε δυνατά τον μονόλογο της Κατερίνας στη σκηνή της μετάνοιας. Βαρβάρα - μετάφραση από τα ελληνικά: ξένος, ξένος. Διαβάστε δυνατά τα τελευταία λόγια της Κατερίνας. Ποια είναι η γνώμη σας και γιατί; Η Kabanova Marfa Ignatievna είναι τυπική εκπρόσωπος του «σκοτεινού βασιλείου».

"Το έργο" Προίκα "" - Ή ίσως εδώ είναι η σωστή απόφαση: η ειλικρινής πρόταση του Knurov .... Η Κατερίνα είναι μια πραγματικά τραγική ηρωίδα. "Προίκα". Η ηρωίδα της «Προίκας» δεν έχει τη θέληση να αυτοκτονήσει. Ο κόσμος της Λάρισας περιέχει και ένα τσιγγάνικο τραγούδι και ένα ρωσικό ειδύλλιο. Ο καπιταλισμός ανθεί. Φωτογραφία 1911. Εικόνα Paratov. Αλλά τελικά, η ικανότητα να παρασυρόμαστε και ο ασωτισμός δεν απορρίπτει καθόλου έναν νηφάλιο υπολογισμό. Και όλοι βλέπουν τη Λάρισα ως ένα κομψό, μοδάτο, πολυτελές πράγμα.

"Heroes of the Thunderstorm" - Το κύριο θέμα της καταιγίδας. Η έννοια των κατοπτρικών εικόνων. Τα αποτελέσματα των πράξεων των ηρώων. Δύο συγκρούσεις. Μικρό Ακαδημαϊκό Θέατρο Τέχνης. Κοινωνικές δραστηριότητες του A.N. Ostrovsky. Τα μαθήματα της Κατερίνας. Ι. Λεβιτάν. Το έργο του θεατρικού συγγραφέα. Αλεξάντερ Νικολάεβιτς Οστρόφσκι. Χαρακτηριστικό ομιλίας. Η διαμαρτυρία της Κατερίνας. Το θεατρικό έργο «Καταιγίδα» γράφτηκε το 1859. Λεξικό. Αγάπη. Εθνικό Θέατρο. Ανθρώπινα συναισθήματα.

"Το έργο του Ostrovsky" Προίκα "" - Τι είδους άτομο είναι ο Paratov. Σουτ του Καραντίσεφ. Σκληρός ρομαντισμός. Οστρόφσκι. Το χρειάζεται η Λάρισα Παράτοβα; Γαμπρός Λάρισας. Προβληματικές ερωτήσεις. Αγάπη για τη Λάρισα. Τι δίνει το τσιγγάνικο τραγούδι στο έργο και στην ταινία. Ποιητικές γραμμές. Το μυστήριο του έργου του Οστρόφσκι. Ανάλυση του έργου. Τσιγγάνικο τραγούδι. Τι είναι ο Karandyshev. Απόκτηση δεξιοτήτων ανάλυσης κειμένου. Ικανότητες έκφρασης. Ένα θλιβερό τραγούδι για μια προίκα. Ειδύλλιο.

"Heroes of the Snow Maiden" - Λαογραφία. Το περιεχόμενο των τραγουδιών. Αρχαία ρωσική ιεροτελεστία. τεράστια δύναμη. Δοκιμές για επιδιόρθωση του θέματος. Ποιοι ήρωες είναι απλά υπέροχοι. Πουλιά που χορεύουν. ΕΝΑ. Οστρόφσκι. V.M.Vasnetsov. Σεβασμός στις πολιτιστικές παραδόσεις των ανθρώπων. Η δύναμη και η ομορφιά της φύσης. Η εικόνα της Lely. Τελώνιο. Φανταστικοί χαρακτήρες. Χειμωνιάτικο παραμύθι. Αποτελέσματα δοκιμών. Μουσικά όργανα. Σκηνή. ΜΟΥΣΙΚΗ. Μουσική Rimsky-Korsakov. Χαρακτήρες.